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Coleção - Colecionadores

2012-01-08T23:22:00.006-02:00

Por que será que certas pessoas colecionam objetos? Será que existe sempre uma estória por trás de cada coleção, ou simplesmente guardam por guardar os objetos que vão preenchendo espaços? – Mas vamos lá... o que leva um ser humano se tornar um grande colecionador? Dizem que a origem das coleções, é tão antiga quanto a espécie humana. Desde a pré-história, os homens primitivos colecionavam pedras, justamente por serem seduzidos pela forma ou cor. Essa antiga vontade de reunir objetos está ligada a razões intelectuais ou espirituais.

Na renascença, os mais abastados se interessavam por tudo que pareciam peculiar ou bizarro, formando diversos tipos de coleções.

Colecionar os objetos, não era uma coisa “simples”, nem para as classes mais pobres, tanto que até o sec. XVI, colecionar era privilégio de príncipes, onde os interesses se concentravam em objetos belos e preciosos, que poderiam aumentar sua fortuna e poder.

O jovem faraó – Tutankamon – colecionava cerâmicas finas, enquanto os príncipes e governantes acumulavam jóias e objetos de luxo, durante a Idade Média.

Com o florescimento dos museus na Europa e Estados Unidos, no sec. XIX – coleções particulares ou advindas da realeza passaram ao domínio público, tornando a arte popular e não mais restrita a poucos.

Por tudo que li, pude sentir que os maiores colecionadores são do sexo masculino, por acharem que o ato de colecionar está ligado a competição e agressividade. Isto explica porque na maioria das vezes, os homens adoram mostrar suas coleções e consequentemente o seu poder – enquanto as mulheres colecionam para o seu próprio uso ou fazem pouca questão de exibir seu acervo. Além disso, sabemos que o poder econômico estava ligado aos homens, o que deram a eles o interesse por itens mais valiosos.

Claro, que com o passar do tempo e de todas as transformações ocorridas no mundo, muita coisa mudou, quando falamos de homem/mulher – concorda? ...é certo que ainda não seja o ideal, mas...vamos caminhando... vamos lá...rsrsrs...

Em minha pesquisa sobre colecionadores e antiguidades, pude constatar que a maior parte, é do sexo masculino. Nos antiquários a clientela é principalmente formada por homens de classe A e B – com escolaridade superior – e faixa etária acima de 35 anos.

Além de obras de arte e antiguidades, em geral os homens tendem a colecionar:

_ relógios, canetas, armas, miniaturas de carros, trens, aviões, moedas, selos, ...

As mulheres se interessam por objetos de decoração como porcelana, bijuterias de época, bonecas antigas.... mas tudo é relativo...

Muitos colecionadores dizem que herdaram o gosto de colecionar de seus antepassados. Já outros dizem que este ato não vem somente pela educação ou cultura, mas também por complicados fatores psicológicos.

O que você acha ? _ Eu não sei... rsrsrs...se até Sigmund Freud manteve uma coleção de mais de 4.000 esculturas gregas, egípcias, romanas....

Seria uma realização pessoal ou apenas uma tentativa de preencher um “vazio”constante que existe no ser humano?

Sinceramente? Não quero saber... só sei que tenho minha coleção de miniaturas que exponho em minhas 2 cristaleiras de madeira escura e vidro transparente também pequena em minha sala, e você?

Site de uma colecionadora de bonecas de porcelana –

http://www.marabmi.com

Feira de antiguidades do Shopping Cassino Atlântico

Av. Atlântica – 4240 – Copacabana - RJ

Sabado 10hs – até 19:00hs

Tel – (21) – 2523-8709

Feira do Rio – Antigo

Rua do Lavradio –

Tel (21) – 2224-6693

Primeiro sábado do mês – RJ

Feira de Antiguidade da praça – Santos Dumont –(Gávea)

Tel (21) – 2548-9614 – 2257-2392

AMAZÔNIA E SUA EXUBERANTE BELEZA - MARGARETH ÚRSULA MEE - INGLATERRA - 1909/1988

2011-11-08T01:03:00.006-02:00

Muitos vivem e não se dão conta, outros vivem germinando ideias, questionamentos, e deixando um pouco do seu perfume...sim, uma amante das plantas, apesar de não ser botânica profissional, mas um vasto conhecimento combinando a expressão artística com a natureza e a ciência.

Margareth Mee, uma pessoa com visão futura, com uma grande preocupação com o mundo, com a extinção ocorrida por vários fatores, que hoje estão devastando, ameaçando a "vida humana!" Tudo isto foi previsto há muito tempo atrás, mas devido a ignorância da época, todos eram vistos como "bruxos": e hoje qual seria a desculpa? O que fazemos com todas as informações que recebemos? Por que um jogo de futebol é capaz de mobilizar uma nação, e uma passeata em prol da paz, um não a corrupção não é capaz de mexer com o povo brasileiro?

Margareth Mee desde muito cedo mostrou ser uma pessoa de espírito aventureiro, sempre ligada a novas descobertas, buscando sempre um alimento para a alma! Apesar de ter talento evidente, colocou de lado a faceta artística e se embrenhou na vida política, e assim, como o primeiro marido, juntou-se ao partido comunista britânico. Tendo grande papel como oradora e demonstrava grande paixão por seus ideais.

Mee era despojada, uma mulher de coragem em se expor era muito grande, quebrando o silêncio imposto as mulheres na época. Dedicou-se as causas de luta contra a pobreza, a guerra civil espanhola e o movimento fascista na Inglaterra.

Não gostaria muito de me deter na parte política, mas somente dizer que nos meados da segunda guerra mundial, Margareth Mee Alterou suas convicções e com a ajuda de amigos, entrou em 1947, para a Escola de Arte de St.Martin - em Londres - a qual acho que fez muito bem, pois sua vocação gritava muito mais alto, e através dela se podia dizer muito mais ao mundo!

Com o trabalho desenvolvido nesta escola foi admitida na Escola de Arte Camberwell(Londres), onde mais tarde se tornou professora. Lá conheceu Victor Pasmore, um dos melhores pintores britânicos, e que teve uma grande influência sobre ela.

Em 1952, Mee, veio para São Paulo com seu segundo marido com intuito de cuidar da irmã doente. Chegando lá deu aulas e seu marido se ocupava como comerciante de arte. Durante este período, o fascínio pela exuberância da mata atlântica que na época cobria grande parte do estado, incluindo áreas que hoje fazem parte dos subúrbios urbanos, levou-a a pintar plantas e flores que encontrava em passeios locais. Daquele momento em diante Magareth se apaixonou pelo que viu e encontrou um novo desafio em sua vida - "pintar as florestas tropicais."

Mudou-se para Belém do Pará, e se inspirou nas pesquisas de um famoso expedicionário - Richard Spruce, cujos itinerários serviram de exemplo para suas próprias expedições.

Em 1956 fez a primeira viagem a floresta Amazônica, e ali foi um despertar de uma grande paixão que transformaria sua vida para sempre. Foram 15 expedições de 1956/1988 - digamos que seja um sonho transformado em uma bela realidade, onde seu trabalho seria: _ desenhar, pintar e coletar muitas espécies de plantas, tal como existem no seu habitat natural.

No meio dessas idas e vindas fez grandes descobertas. Registros de espécies que a comunidade científica pensava estar extintas, uma vez que não eram vistas há décadas!

Na última expedição realizou o sonho que tinha desde 1965, ( já havia tentado várias vezes ) de capturar o desabrochar da FLOR DA LUA (uma espécie rara de cactos - selenicereus Witti (cactaceae)cujas flores brancas abrem unicamente numa noite de lua cheia no ano. Declaração de Margareth Mee sobre aquilo que viu: _ "Enquanto me posicionava ali, com a orla escura da floresta ao seu redor, sentia-se enfeitiçada. Então a primeira pétala começou a mexer-se , depois outra e mais outra, e a flor explodiu para a vida!!!"

Seu trabalho começou a atrair atenções, e em 1960 foi convidada pelo Dr. Lyman B. Smith, um especialista em bromélias, para participar do projeto - "Flora Brasílica"- fazendo ilustrações na seção de bromélias.

O projeto durou 5 anos, viajou todo o país, e se tornou perita em plantas da família BROMELIACEAE, descobrindo novas espécies, três das quais receberam seu nome.

Em 1969 foi publicado o livro escrito por Lyman B.Smith com pinturas de Mee - intitulado _ "THE BROMELIADS"

Margareth sempre solicitada, veio parar no Rio de Janeiro, indo morar no bairro de Sta Teresa seguindo a sugestão do amigo e companheiro de algumas expedições - o paisagista e botânico "Roberto Burle Marx". E foi nessas expedições que colheram várias espécies de plantas tropicais para os seus jardins. Dessa maneira, MEE, pode contribuir muito para o enriquecimento dos jardins do Rio de Janeiro, doando espécies de plantas recolhidas nestas viagens.

No RJ, trabalhou com Guido Pabst, um perito em orquídeas e contribuiu para a ilustração do seus livros com suas pinturas: _ FLORES DA AMAZÔNICA, EM BUSCA DE FLORES e NA FLORESTA AMAZÔNICA(aquarelas).

O que teria levado esta pessoa a assumir um papel tão importante dentro do Brasil e para o mundo, numa visão onde a beleza das cores, a vida nas florestas tropicais se tornaram tão latentes? Seria apenas um desejo particular, ou uma visão ampla e futurista, que um dia muitas espécies desapareceriam?

Muitas viagens, muitos perigos, doenças, convivência com os índios, muitas dificuldades e cansaço, mas nada a impedia de registrar tudo que observava. Nesses 30 anos vivenciados durante suas expedições na Amazônia, foi percebendo o crescimento desordenado da atividade humana, causando alterações dos ecossistemas, e assim, a tristeza e a reflexão começaram a ganhar forma. E além de fazer seu papel como artista e pesquisadora, começou a lutar pela preservação. E apesar da falta de liberdade nos anos 60/70, não a fizeram calar. Não podendo se expor em público, procurava outros meios. Quando mais tarde se passou a existir liberdade de expressão, foi uma das primeiras pessoas, a falar sobre - DEVASTAÇÃO CRESCENTE - e sem sentido da FLORESTA AMAZÔNICA, inclusive chamando a atenção de outros países para este fato.

Margareth Mee diante de tal realidade fez uma coleção privada de todas as suas aquarelas de cada espécie, nomeando de: _ COLEÇÃO DA AMAZÔNIA - Seu desejo, era que todos pudessem ter acesso a um guia vasto e completo de espécies raras, muitas hoje já extintas. Sua intenção era vender seus registros a uma instituição americana ou inglesa, para serem preservados. Você deve estar se perguntando: _ Por que não o Brasil? _ Hum... pelo que sei, é que sua intenção era que sua coleção fosse mantida fora do Brasil, pois tinha tido experiências desagradáveis com o Instituto Botânico de São Paulo, e ainda por razões pessoais.

Foram feitas várias negociações, muitas não aceitas pelo preço inferior ao pretendido. Finalmente em 28 de Novembro de 1988 foi fechada a compra pela Companhia TRUST(Inglaterra) aceitando o preço e as condições estipuladas pela pintora como: _ 1 - dar ao público acesso fácil a coleção - 2-criação de bolsas de estudo para novos artistas e biólogos para continuarem os estudos da Amazônia - 3 - A vontade de que suas pinturas nunca tornariam ao Brasil.

Creio que o que aconteceu com MEE, acontece e aconteceu com muita gente aqui no Brasil, que é a falta de incentivo, valor e reconhecimento, mas isto, eu deixo pra uma outra postagem.

Mee morreu na Inglaterra em 1988 em um acidente de carro.

Pelo que li, posso dizer, que ela deixou um grande legado, incomparável e sobretudo regado de um sentimento nobre que define toda sua dedicação -

o AMOR -!!!

Sketchbook -

2011-09-23T00:24:00.002-03:00

Todos os caminhos nos levam a algum lugar, mas nunca teremos certeza se realmente foi a melhor escolha…mas quando traçamos uma reta e almejamos algo, o sabor da vitória é bem maior! Esse escrito me fez lembrar a primeira aparição de Emanuel, o mentor espiritual de Chico Xavier, em sua resposta onde deixou bem claro, como se tornar um bom espírita:

1a Disciplina acima de qualquer coisa

2a Disciplina

3° Disciplina

Digo que em nossa vida também devemos seguir estes conselhos para que sejamos o melhor em tudo que realizamos.

Hoje gostaria de falar de uma menina (que já citei várias vezes), que desde pequenina já desenhava como toda criança, mas com um desejo a mais, assim como aconteceu comigo.

Com 12 anos começou a pintar telas com uma desenvoltura muito grande.

Acho que poucas pessoas já nascem determinadas, e disso nunca tive dúvidas.

Jéssica queria estudar na UFRJ – fez o vestibular e passou em 5° lugar em – Desenho Industrial- Essa conquista só vem reafirmar o nosso desejo de querer, a luta, a determinação, o mérito!

Foi aí que surgiu o sketchbook – pra quem não sabe, é um caderno que podemos definir como um diário de imagens, pensamentos…é um instrumento essencial na vida de todo “artista” Pois em qualquer momento, lugar, lança mão pra fazer esboços…e cabe na bolsa, mochila, enfim…

O ideal é você mesmo confeccionar o seu skecht(não que não tenha nas lojas, mas é meio difícil de achar)pois cada um encontra formas diferentes de construção, e isso que é interessante!

No 1° dia de aula da Jéssica, a professora pediu esse tal caderno, e como o tempo estava pequeno e a exigência pra ontem, acabei fazendo o Sketchbook pra ela. Costurei vários tipos de papeis e cores – onde se pode trabalhar várias técnicas que vão desde o desenho à lápis, aquarela, lápis de cor, canetas e tintas, e assim por diante.

A capa fiz com fundo preto, e desenhos geométricos formando módulos.

Adorei fazer, tanto que farei outros, até porque preciso…mas não fiquem pensando que esta postagem termina aqui, prometo voltar mostrando tudo desde o começo, pois vou passar todo o processo pra Jéssica , para que ela possa sentir como é gostoso o processo de criação!

Me aguardem!!!! Rsrsrs…

Amy Jade Winehouse – 1983/2011 – cantora/compositora – Londres-Inglaterra

2011-08-07T23:23:00.002-03:00

(Amy aos 16 anos)

Dias ensolarados, céu azul e aquela voz entrava pelos cômodos, estacionava em meus ouvidos, e naquele momento nascia em mim, uma admiração. Por uma voz até então nunca escutada, e assim me bateu uma vontade louca de saber de quem era, até que descobri através do DJ Lucyus meu sobrinho, que passou algumas canções desta cantora, que passei a ouvir mais(pois estou sempre escutando em meu MP4)e hoje senti vontade de dedicar esta postagem a ela.

As vezes quando paro pra pensar, fico imaginando o que leva um ser humano, seguir caminhos tortuosos. O que será que passa na cabeça daqueles que se deixam levar ao ato da destruição? Será falta de amor, ou simplesmente nos tornamos vulneráveis num momento de fragilidade emocional? Gostaria de entender por que certas pessoas se sentem tristes ao ponto de não enxergar que tudo é passageiro, e que só depende de nós saber esperar!

O que leva alguém a destruir seu corpo e mente diante daquilo que são só promessas, viagens, alucinações, mas que degradam e destroem?

Não devemos nunca dar o 1° passo ao caminho das drogas, seja ela qual for, pois a jornada é longa e as vezes pode-se perder o caminho de volta.

Vivemos um momento muito difícil, uma era onde muitos caminham sem saber aonde ir, notícias são piores do que podemos esperar, muitos falam, poucos escutam, a banalidade está dominando o mundo. O homem está preocupado com o físico, investindo na beleza comprada, mas aonde fica a “alma”? Neste momento peço a cada um que reflita tudo que eu disse até agora, e me diga, aonde está a verdade.

Por que certos artistas tem vida curta? Será que a mídia tem culpa nisso? Será que não estão sendo preparados para assumir tanto sucesso de uma hora pra outra, ou simplesmente são pessoas fracas, e ponto final?

Dizem que a vida é um palco, e que estamos sempre encenando, mas completo que muita gente acaba confundindo e vivendo um outro personagem, mudando toda a história.

Tenho lido vários artigos sobre Amy Winehouse, e na sua maioria, eles dão bastante ênfase a sua vida desregrada, vícios, shows fracassados,vaias… sim, sei de tudo isso, inclusive que nos últimos tempos Amy virou motivo de chacota, onde suas pernas falhavam, esquecia letras das músicas, perdia o humor facilmente…mas devo dizer que em tudo isso a minha preocupação não estava no público que à assistia, mas nesta pessoa que ali se encontrava “sozinha”, num verdadeiro “abandono,” despida de sentimentos, pudor, pedindo através de suas músicas –” atenção, amor, ajuda”!

Aonde será que sua vida parou? Aonde se encontrava a menina de 15 anos que sonhava um dia ser uma grande artista? Por que será que Amy se travestia de um personagem cujo o tempo ela não viveu, e cantava as maravilhas de um som cantado por cantoras como: Billie Holiday, Dinah Washington, Ella Fitzgerald…?

É justamente por adorar Jazz é que me tornei fã de Amy Winehouse. Não acredito que alguém possa substituir Amy, como tenho lido, até porque somos únicos…sua voz, suas músicas não são passageiras, mas irão tocar sempre. Se manterão intactas pelo tempo, se mantendo na moda assim como outras que aqui passaram, e só me resta dizer que toda vez que ouvir suas músicas, sentirei sua falta!

Semana da Arte Moderna – Anita Catarina Malfatti – S.Paulo 1889/1964

2011-07-11T00:30:00.001-03:00

Será que um dia nasceremos sabendo qual será nosso verdadeiro destino, ou simplesmente continuaremos a buscar vários caminhos, antes da chegada ideal? Eis a questão que muitas vezes nos aflige, cansa e nos faz sofrer!

Quando poderíamos imaginar que a mesma menina chamada Anita Malfatti, um dia se tornaria uma das principais pintoras brasileiras. Alguém que tivesse tanta coragem de apresentar algo novo e revolucionário, num tempo onde tudo era representado como uma linha reta, sem curvas…aquilo que podemos definir como: _ “normal” _ mas o que podemos definir como normal, você saberia me dizer? _ Seria ser acadêmico, ou romper os laços do tempo criando novas linguagens?

Suas pinturas, geraram espanto, risos e até comentários e críticas maldosas, geraldo abalo…mas nada disso levou a artista a abandonar aquilo que foi herança materna – “ a pintura e o desenho” (foto Anita Malfatti)

Bety Malfatti (norte americana de origem alemã)não imaginava que sua pequenina menina, fosse superar suas deficiências (atrofia congênita no braço e mão direita)com vontade e determinação, passando a utilizar a mão esquerda para escrever, desenhar e pintar, já que aos 3 anos foi levada a terra do pai – Samuel – (italiano, naturalizado brasileiro – engenheiro – trabalhava com estradas de ferro e na construção civil), para tratamento médico, mas sem sucesso.

A vida de Anita Malfatti, foi esculpida de um currículo vasto, onde tudo começou praticamente em 1909, com suas primeiras pinturas, indo estudar em escolas de arte na Alemanha e EUA. Em sua passagem na Alemanha, entrou em contato com o expressionismo que sofreu bastante influência. Nos EUA teve contato com o movimento modernista.O Farol -

Anita percorreu o mundo, os museus. Conheceu muita gente importante, adquiriu experiência e sabedoria, deu aulas, colecionou títulos que a levaram a ser conhecida como: _ “REVOLUCIONÁRIA” _ alguém a frente do seu tempo, capaz de mexer com integrantes da classe social mais conservadora, pois suas obras retratavam principalmente os personagens marginalizados dos centros urbanos. Além de que suas pinturas fugiam dos padrões até então aceitos.

A Mulher de Cabelos Verdes – 1915 -

Em 1914 realiza sua primeira exposição individual, em São Paulo, mas foi em 1917, onde tudo eclodiu de fato, causando espanto, risos e críticas.

Com a primeira exposição de arte moderna – no qual o escritor Mário de Andrade riu muito ao se deparar com os quadros: _ O Homem Amarelo – A Mulher de Cabelos Verdes – A Boba…mas no entanto mais tarde, seus risos transformaram-se em admiração, amizade, e uma intensa troca de correspondências( dizem alguns relatos, que viveram um amor platônico) Tanto que anos depois o escritor acabaria adquirindo a tela – O Homem Amarelo- tornando seu grande defensor, numa das críticas recebidas pelo escritor de literatura brasileira – Monteiro Lobato – que publicou artigo dizendo: _ Paranóia ou mistificação? Argumentava que a nova pintura de Anita Malfatti, não representava o brasileiro e sua natureza com fidelidade. Chegando a ponto de insultar a pintora, tachando-a de “louca”.

O Homem Amarelo – 1915 –(Em 02/12/89-foi emitido um selo comemorativo sobre o centenário do nascimento de Anita)

A crítica de Lobato repercutiu entre os modernistas e pouco depois, Oswald de Andrade e Menotti Dell Picchia saíram na defesa de Anita.

Da querela que se seguiu surgiu a divisão entre conservadores e modernos, que iria desaguar na Semana da Arte Moderna – em 1922, onde Anita expos seus trabalhos sendo premiada e consagrada. Pois até então só a literatura reinava absoluta nas artes , tendo que ceder lugar para as atividades plásticas.

La Rentrée(interior) 1925

Anita fez parte do “Grupo dos Cinco” com: Oswald de Andrade, Mário de Andrade, Menotti Dell Picchia, e Tarsila do Amaral.

Eu poderia me deter em datas, lugares, detalhes, mas prefiro falar de sentido e sentimentos, onde o artista é capaz de agir e reagir ao tempo, aos fatos, as pessoas.

Anita trabalhou uma coisa que muita gente esquece, –” o sentimento”, pois sabemos que existe a pintura fria e inexpressiva, aquela que não nos dá vontade de entrar e participar da cena, e simplesmente apenas somos meros observados. Digo, que as pinturas de Anita são trajadas de fortes sentimentos, onde os personagens são banhados de cores fortes, muitas vezes levemente distorcidos. Nosso olhar se funde, desperta e indaga o que é imaginário, o que é real?

Muitos achavam suas pinturas cruas, mas como, se o tempo todo Anita expressava uma gama de aprendizado com muita liberdade e singularidade?

Fecho esta postagem com um pensamento de Mário de Andrade sobre Anita Malfatti:

_ “Seus quadros, nos deram uma primeira consciência de revolta e de coletividade em luta pela modernização das ARTES BRASILEIRAS”

Pinturas de Carlo Mense – 1886/1965-Artista Alemão -

2011-05-30T23:33:00.001-03:00

Um enigma ou puro esquecimento?

Como não falar de um artista que dedicou sua vida inteira ao mundo das Artes? Você já ouviu falar em Carlo Mense? _ Eu ouvi pela primeira vez, através de um amigo que me mandou via e-mail, o site, e assim passei a conhecer suas pinturas. Não satisfeita, fui pesquisar mais sobre sua vida…pois não entendo, não aceito essa indiferença, esse ato de deixar esvair pelo ralo, “obra e vida” de um artista de tanta expressão e conhecimento.

Carlos Mense nasceu na Rheine, Westphalia em 13 de Maio de 1886. Em 1906 matriculou-se na Academia de Dusseldorf.

Em uma viagem a Itália com seu irmão “Rudolf”, acabou em Ascona, onde entrou em contato com movimentos reformistas, que exerceria uma influência duradoura sobre sua vida.

1922-

Em 1912 estava mostrando pinturas no lendário Sonderbund exposição em Colônia e foi representada com o trabalho em 1913 na exposição - “Rhinish Expressionistas” – Isto levou ao contato com Herwarth Walden, cujo as revistas “ Die Aktion Mense e Der Sturm” contribui impressões.

A guerra eclodiu e com isso veio atrapalhar sua vida, onde foi convocado, e como havia se instalado na Renânia, só voltou quando a guerra chegou ao fim.

Retrato de Família-1925

Em seguida, tornou-se um dos principais membros da “Gesellschaft Fur Kunst”(Art Society)- que fundou a revista “Der Strom e em 1918 lá se juntou a associação de artistas - “Das Junge Rheinland”(jovem Renânia) e o Novem Bergruppe(Novembro Group) após seu casamento com Vera Baske.

Cultivou laços estreitos com Paul Klee na cena artística Schwabing. Por conseguinte, o seu circulo de amigos últimos, incluía Oskar Kokoschka, José Eberz, Georg Schrimpf e sobre tudo, Richard Seewald.

1922-

Nós artistas, temos muitas dificuldades de vários níveis, e só nossa classe sabe do que estou falando. Isso vem desde o passado e disso Carlo Mense também não se livrou, muito pelo contrário. Em 1925 foi nomeado professor na Academia Estadual de Belas Artes Aplicadas em Breslau, mas em 1932, a academia foi fechada, e perdeu sua posição. Depois atribuindo ao prêmio Roma, garantiu uma bolsa até o verão de 1934.

Entre o sim e o não, – MENSE – teve uma vida feita de incertezas, muitas injustiças, e pelo pouco que li, me pareceu uma pessoa de muita personalidade, que não se abatia, nem aceitava aquilo que representavam como verdade. Tanto que em suas pinturas não seguia simplesmente aquilo que aprendeu, mas mostrava nelas sua alma! Tanto que mais tarde, seus trabalhos foram marcados de - “arte degenerada” – pelos nazistas, e 34 obras foram apreendidas e destruídas nos ataques de bombardeio -pelo Nacional –Socialistas de coleções públicas -

-Mãe do Artista- 1925

Depois só se ouviu falar dele em 1956, quando teve uma One-Man-show de seu trabalho, em Konigswinter, por ocasião do seu aniversário de 70 anos.

Esse amigo que relato no começo da postagem é Valter Mense - sobrinho-neto deste grande artista. 1928/29

Termino esta postagem com uma frase que é capaz de causar reflexões:

_ Sei que uma vida tão rica de detalhes, sumiu num pequeno sopro, como se fosse absolutamente nada!!!

Até breve…

O Retratista – Rembrandt Harmenzoon Van Rijn(1606-1669) – Pintor-Gravador-Holandês -

2011-04-15T17:22:00.001-03:00

Mestre da cor, do desenho, da gravura, mestre dos mestres - nascido as margens do Reno, junto a um velho moinho onde seu pai triturava trigo para que o avô assasse o pão, pertence a essência esquecida da Europa, que procurava a profundidade da realidade, pois buscava no próprio e inalienável mistério – quase sempre alienado – que sempre novo, e que retorna no escuro os múltiplos avatares de uma vida. -

Rembrandt, vive nos mais honrados cantos dos museus do mundo. É mestre também dos que sentem como vocação a arte sobre qualquer outra atividade. Desses cantos de sombra e honra, em seus mais de 60 auto retratos, os olhos singularíssimos do artista de luz íntima que emerge na névoa exterior, recordam quem os contempla a profundidade e a grandeza latente na palavra que resume e enuncia tudo que podemos ser.

Auto-retrato de Rembrandt em 3 momentos -1629/1640/1669.

Rembrandt aos 7 anos, foi enviado a escola de Latim, junto aos clássicos – Aristóteles e Homero, que aparecerão em suas obras. Aprendeu a familiarizar-se com a bíblia, um dos escassos livros de sua biblioteca.

Em 1620 ingressou na Universidade, porém, meses depois reconhece que não desvia sua paixão fundamental e entra no atelier de um modesto pintor local, entre escassos méritos conta o de ter estudado na itália. Talvez por isso Rembrandt nunca tenha tido o desejo de viajar a pátria de Leonardo.Retrato do filho – Titus -

Após completar 3 anos de estudo, segue para Amsterdam para sua instrução no atelier de “ Pieter Lastman” – especialista nos temas históricos e cenas bíblicas.

Lá com seus 19 anos, depois de apenas 6 meses com Lastman, voltou a sua terra natal LEIDEN- (Cidade próspera e culta, onde desfilavam as embarcações carregadas de coloridos tecidos, elaborados na indústria local e de objetos exóticos vindos do oriente)como mestre independente, associado a Jan Lievens, já mestre pintor desde seus 12 anos.

A maior parte de seus trabalhos constitui-se de pinturas pequenas e com acabamento preciso sobre temas bíblicos e históricos, onde era notado de influência do seu segundo professor. Rosalba Peale

Quando partiu pra carreira solo, passou a utilizar o efeito luz e sombra melhor do que ninguém; e este modo de pintar, tornou-se o seu principal meio de expressão. Obteve grande sucesso local, e começou a ensinar, e por possuir forte personalidade, atraía bastante estudantes.

De sua paleta surgiu uma arte cheia de dourados, como é a apresentação no tempo, onde aparece surgir dos corpos. E a lâmina de cobre batido nos deixou seu manifesto artístico e vital: um auto-retrato onde aparece o cabelo despenteado , aspecto desajeitado, nariz gordo e um olhar fixo para uma meta da qual nada, nem ninguém poderão afasta-lo.

Artista de tanta profundidade e de dilatado espaço interior. O rosto no nosso pintar, é drama, trajetória, passo singular da vida total, janela aberta ao mistério inexpressável.

Retrato de Saskia - Rembrandt além de tudo era um homem dedicado ao seu grande amor – Saskia – onde retratou várias vezes em suas telas, até mesmo nos momentos mais difíceis de sua vida, onde desenhou repetidas ocasiões no leito da doença e do sofrimento:

Teve 3 filhos que morreram poucos anos depois de nascidos.Somente 1 sobreviveu – “Títus” -

Quando pintou a “ Lição de Anatomia “ – retrato de um grupo da sociedade de cirurgiões de Amsterdam, obteve a reputação de melhor retratista da época nesta cidade, Tornou-se rico e gostava de colecionar obras de arte.

A Lição de Anatomia – 1632 - Mas a sorte mudou quando Saskia morreu… perdido, as finanças entraram em colapso. Neste mesmo período sua arte ganhou em profundidade espiritual, a luz maravilhosa parecia vir do interior das suas obras. As sombras tornaram-se mais intensas e vibrantes. Suas pinturas passaram a mostrar calma e ternura, e a humanidade se achava representada pelo lado reflexivo.

Com o passar do tempo, casa-se novamente e tem mais uma filha – “Cornélia”, e com a morte da segunda mulher e do filho “Titus” que morre pouco depois de ter casado, e deixado uma filha., – Rembrandt, asume a solidão, e Cornélia o acompanha até os últimos dias de sua vida.

Rembrandt foi e será um pintor especialmente lembrado como “Retratista” – dotado de uma enorme sensibilidade, dando a seus modelos dignidade e ao mesmo tempo não permanecia passivo diante de cada obra, mas muito presente em suas interpretações!

Mundo de Sonhos

2011-03-14T23:52:00.001-03:00

Este mês estou expondo um quadro que acabei de pintar. Sintam-se livres para olhar, admirar e fazerem suas leituras.

Orifícios – tela à óleo – 70x57 – 2011 - Waleria Lima-

John William Waterhouse – 1849-1917 – Doce e suave Nino.

2011-02-14T01:00:00.002-02:00

Como é bom nascer no seio de uma família que comunga os mesmos gostos. Caminhar juntos, crescer dentro de um estúdio de Arte, como um pássaro que voa buscando alimento. Tudo se torna doce, mais suave, sendo assim, mais fácil de encontrar em nós, aquilo que trazemos na alma e está oculto e que nem sempre conseguimos trazer à tona; por falta de oportunidade, incentivo, ou por nos perdermos no meio do caminho.

John William Waterhouse carinhosamente conhecido como - “Nino,” nasceu em Roma em 06 de Abril de 1849. Seus pais eram inglêses, ambos pintores, mudaram-se para Itália, em busca de Arte, e posteriormente transferidos para a Inglaterra.

Nino, ia crescendo, e se desenvolvendo num mundo determinado por cores, beleza e fantasia…e com isso, ia criando dentro dele sem ao menos perceber, seu verdadeiro talento, onde a mitologia, a poesia, estariam sempre presentes em suas obras.

O jovem desenvolveu o seu talento para a escultura e pintura. Fêz várias tentativas de admissão para a Royal Academy, e finalmente em 1870, conseguiu. Em 1885, tornou-se um associado da Royal Academy, e em 1895 um membro de plenos direitos.

Waterhouse, foi muitas vezes classificado como um pré-rafaelista, por seu estilo e temas, mas é um pintor verdadeiramente neo-clássico.

Algumas das obras anteriores foram centradas em temas e cenários italiano, referindo seu amor por seu lugar de nascimento.

Mais tarde, seus trabalhos pegou o estilo e temas clássicos dos pré-rafaelitas, como: Alma-Tadema e Frederick Leighton.

Nino pinta mais de 200 pinturas retratando a mitologia clássica, histórico e literário indivíduos, particularmente, aqueles da mitologia romana e poetas clássicos (inglês) como: Keats e Tennyson. Femme Fatale – é um tema comum em suas obras, como a maioria são mulheres bonitas , elegantes, vítimas de muitos homens.

Waterhouse, é um dos raros artistas, que se tornou popular e relativamente abastado finaceiramente quando vivo.

Hoje muitas de suas obras estão em coleções particulares ou em algum lugar desconhecido, no entanto, a maioria de suas pinturas mais famosas são encontradas espalhadas por toda a Inglaterra, e o restante podem ser encontrados ao redor do mundo.

Posso dizer que não basta pintar, mas encontrar dentro da pintura, uma maneira de ser diferente. Buscar o inexplicável, sonhar e voar dentro deste sonho, mostrar a sua realidade, de forma misteriosa, assim como fez “Nino carinhosamente”, que de forma independente se revelou em cada uma de suas telas.

Pinturas: 1 – Ophelia - 1889 - 2 – The Lady of Shalott –1888 - 3 – Tristan and Isolde –1916 - 4 – The Shrine 1895

Alma de Flor - Yolanda Soares Freire Hinds-São Luis -Maranhão-Brasil-1940

2011-01-18T00:07:00.012-02:00

Nem sempre conseguimos decifrar nossos sentimentos e em palavras explicar de fato tudo que vemos e sentimos. E quanto mais nos aprofundamos, mais vemos e quanto mais vemos mais pensamentos nos rodeiam e acabamos nos perdendo diante dessa trajetória tão rica, enigmática, que muito diz e nos lança ao mundo da realidade, mas de uma forma totalmente desfigurada, de linguagens diversas; que nos obrigam a sentir, refletir e descobrir novas maneiras de ver.

Animus - máscara - 1996

Quando falamos de ARTE, abrimos um leque de valores incalculáveis, intocáveis, submersos na realeza daquilo que somos e do que representamos. Por isso creio que dentro de cada artista existe um universo que aflora, grita, sente, emociona e ultrapassa as vezes o próprio entendimento.
Falar de Yolanda Freire, não é nada fácil, mas de fato muito prazeroso.Uma artista com uma capacidade enorme de abstrair da natureza humana uma maneira de contar histórias e através de suas obras tocar o coração de quem as aprecia.
Suas obras são nada mais que um chamado a consciência da vida e suas descobertas. Eu poderia fazer uma comparação com o MAR onde temos que percorrer até o fundo para descobrir tudo que está submerso.

Finitude - (Faz parte de uma série de quadros)-Técnica Mista -S/Tela

Assim Yolanda define: _ “ No meu processo de criação mantenho o meu olhar voltado para as civilizações antigas e (ou) primitivas.
Na matéria densa criada pela tinta e pelo movimento do pincel, vou descobrindo um momento da humanidade, grafismos arcaicos que remetem ao início da organização do ser humano, o geometrismo característico da expressão dos primitivos habitantes das Américas. Desenvolvo formas ordenadas através de sulcos de tintas monocromática
para melhor evidenciar o gesto na densa materialidade.”

Iniciou sua vida profissional como artista plástica em 1974 – realizando uma instalação e performance no Centro de Pesquisa de Arte Ivan Serpa, cujo o título “Pele de Bicho ou Alma de Flor”- onde expressou aspectos antagônicos da existência humana.
A partir de então desenvolveu vários trabalhos em performances e instalações apresentados em salões nacionais, bienais internacionais e museus.
Yolanda dedicou seu tempo em pesquisas onde a cor está associada a matemática, movimento geométrico, e passa a criar painéis modulados, onde o avanço e o recuo dos vários módulos aludem as modulações desenvolvidas por Cézanne (brancos), afim de abstrair a cor para melhor evidenciar as diferentes matérias criadas. E são através destas pesquisas que recebe convites para expor na Universitè de Sciences ET Techniques Du Languedoc (França), em alguma cidades da Itália através da Galeria 9 Collonne SPE, e finalmente obtendo sua primeira exposição individual no Museu Nacional de Belas Artes (Vermelhos).

Yolanda não satisfeita com a densidade da tinta, adotou então o cimento, o concreto armado.
Posso dizer que Yolanda Freire é uma artista completa, dotada de muitas exposições nacionais e internacionais, em várias modalidades.Uma artista profunda e preparada para falar através de suas obras com muita maestria sobre a alma humana, dos valores muitas vezes esquecidos, desviados, perdidos no tempo e no espaço distantes, buscando emergir de um mundo “talvez” tão difícil mas não impossível de habitar.- O pensamento humano – (Instalação: "Pele de bicho ou Alma de Flor"

Maioba - 1985-

Quando comecei a escrever sobre esta artista, sabia que não seria fácil, mas espero ter chegado perto de sua grandeza.
Quero deixar aqui exposto que me sinto muito feliz de ter tido esta artista como minha professora na Faculdade Bennet.

Convido a todos que aqui passarem visitarem o site de Yolanda Freire e conhecer mais de perto sua trajetória de vida.
Termino esta postagem com algumas palavras da artista:
_ “Busco a estética dos arquétipos, a filosofia escondida das marcas que se repetem, os signos que amarram e organizam o pensamento humano.”

Livro publicado pela Artista - " O Espelho do Artista" - Fala do processo de desvelamento do sujeito inconsciente - Rio de Janeiro - Brasil -Companhia de Freud, 2006

Quem quiser conhecer mais de perto esta Artista Maravilhosa é só visitar: - http://www.viaarte.de/freyre/

Oração do Artista

2010-10-02T23:54:00.006-03:00

"Senhor! Tu que és o maior dos artistas, fonte das mais belas inspirações, abençoa o meu talento e as minhas obras. Maravilhoso é o dom que me deste na louvada missão de servir-te com alegria, e de exercer o meu trabalho com amor e dedicação.
Por isso, agradeço-te por permaneceres sempre comigo.

Mesmo incompreendido ou diante de desafios, quero sustentar em minha vocação a energia de vencer e realizar meus projetos no imenso cenário da vida.
Dá-me equilíbrio entre a razão e a emoção, humildade e sabedoria para me aperfeiçoar.
Inspira-me, ó Mestre, à criação do novo e do belo!"

Esta oração eu li em um blog, e achei maravilhosa!!!! Ela define este momento em minha vida. Quero dizer a todos vocês que não desisti, muito pelo contrário, estarei voltando em breve.
Um grande beijo a todos.

2° Aniversário do Wallarte -

2010-08-13T17:57:00.009-03:00

O tempo passa diante de nossos olhos, com uma rapidez de um mágico que encobre o verdadeiro segredo de sua mágica. Quando nos damos conta, o dia virou noite, a noite virou dia, e tudo vai girando como a roda que movimenta, transforma e realiza essa maravilha que chamamos de vida! Manter um blog, não é uma tarefa fácil... mais um níver do Wallarte – que completa em 14.08.10 – 2 aninhos... e eu, não poderia deixar passar em branco esse momento tão significante.

Contarei a vocês um fato que talvez já tenha causado alguma curiosidade em algum momento... mas deixarei o meu personagem “Walzinha” que hoje em especial foi desenhado por uma menina que eu posso dizer que desenha maravilhosamente, e que mesmo estando na linha de criação do anime-mangá tem estilo próprio – e gostaria de abrir aqui no Wallarte – um espaço para sua arte - seu nome é - Jéssica Pereira Luquez – onde desde pequena desenhava, e com 12 anos começou a pintar quadros – essa menina é minha sobrinha, e tenho imenso prazer de poder expor seus desenhos aqui.

Oiiiiii.....bem, vocês devem ter percebido que o cursor do blog, é uma carta com naipe de Espada – sabem por que?
- Essa é uma estória muito interessante, onde me faz viajar no tempo. Em postagens anteriores, eu já algumas vezes falei da minha família, e esse fato tem a ver com meu pai...pois somos 5 irmãos(4 meninas e 1 menino)e meu pai, que gostava também de escrever, tinha seus momentos de criação... e teve uma idéia que achei maravilhosa...definiu cada filha como um naipe do baralho: Dama de Ouro, Dama de Copas, Dama de Espadas, e Dama de Paus, e meu irmão ficou sendo o Coringa – Nós adoramos, e assim ficou, e desde então passei a ser a "Dama de espada", que vejo como um símbolo de proteção, força, e poder.
Se vocês repararem a Walzinha, verão que ela sempre traz em sua roupa esse símbolo.

Este selo foi feito para que fique gravado o 2° aniversário do blog Wallarte – e que todos os meus amigos ou não, possam levar como presente, um pedacinho de mim.

RODIN - 2ª parte - " Uma releitura do " Pensador"

2010-07-04T22:52:00.010-03:00

Releitura da escultura - O Pensador - Feito à nanquim e cor - por : Waleria Lima- Aos 40 anos, Rodin percebe que precisa se afundar dentro de si, reviver como um filme sua vida, e sentir cada sentimento vivido, sofrido e de certa forma superado, e tenta correr contra o tempo e encontrar através da criação, uma maneira de falar de si, da vida, da realidade humana. Abrir uma janela para a eternidade e com sua obra de pedra e bronze, para sua época fechada e indiferente. Assim expressará seu poderoso misticismo, sua inspiração ardente e constante, como se ardesse no fogo cósmico!.
- “ O futuro começa para mim todos os dias” – confessa a um de seus íntimos interlocutores, sabedor de que o artista, era único depositário do sagrado em uma época dominada pelo ateísmo pragmático e vulgar, pela hipocrisia acovardada e inércia de uma igreja fechada.

Rodin investiga suas próprias raízes. Explora o gótico francês de Chartres e Amiens. Inspecionada palmo a palmo seus cantos e encantos. Penetra na magia do espírito medieval e extrai a grandeza religiosa de suas obras.
Sua obra mais falada e conhecida é o – Pensador – onde podemos ver nitidamente a criação e o criador, na sua total solidão, um encontro entre a matéria e o espírito, onde o questionamento é necessário... e ali, “talvez” esteja a síntese da vida deste mestre tão simples e ao mesmo tempo tão poderoso, tão enigmático e em outros momentos tão aberto. Talvez por isso, - “ O Pensador”- tenha sido atacado violentamente com um machado; o movimento Vitor Hugo, nunca chegou a realizar-se como Rodin o havia imaginado; o movimento a Balzac, foi rejeitado pela comissão encarregada de sua realização...pura incompreensão, que se denota em alguns de seus pensamentos:

- “ Não tenho amigos, devo viver sozinho. Mas sei que na minha arte Deus está perto de mim! Aproximo-me a ele sem temor. Sempre reconheci o destino da minha obra, também não me inquieta; nada de ruim pode vir dela para mim. Quem tenha compreendido se libertará da miséria que arrasta os homens!

Gente!!!! Agora que me dei conta, lá fora já é noite e continua chovendo!

O Pensador - François-Auguste René Rodin - França-1840/1917

2010-06-01T16:17:00.017-03:00

Quando nascemos deixamos para trás o conforto, a proteção, a paz. Quando nascemos sentimos falta de ar, choramos, e não sabemos o que vamos encontrar pela frente. Crescemos e temos que fazer escolhas, e essa fase é a mais difícil, travamos uma batalha interior, onde tudo se torna tão grande, que parece não caber no peito.
A verdade é que temos medo de crescer e de sermos adultos. E por detrás da minha janela agora olho a paisagem lá fora... está chovendo, abro o computador e começo a escrever a história de um homem que fez da escultura sua razão de viver!!!

"Rodin era pequeno, quadrado, forte, tinha a cabeça completamente raspada, e uma barba abundante - foi-me apresentado suas obras com simplicidade dos que são verdadeiramente grandes - passava as mãos sobre suas esculturas e as acariciava”!
Nasceu em 12 de Novembro de 1840, na Paris sórdida e velha do Distrito do Val-de-Grâce. Seu pai Jean-Baptiste Rodin - era de origem normanda(simples funcionário da polícia) e sua mãe uma lorenesa (Marie Cheffer)s/segunda esposa.
Sua casa na rua d’Arbalette, limitava-se com os jardins que outrora tinham acolhido a infância de Victor Hugo.

Rodin sofreu muito com a miséria que envolvia seu lar. Sua única diversão era desenhar, mas muitas vezes faltava-lhe papel, e até o que comer.
Aluno do Val-de-Grâce, saiu de lá tão analfabeto quanto entrou, para desespero dos pais e professores. E diante do fracasso escolar, o pai parece que cansou, e passou a bola, entregando-o a um parente (Alexandre) que dava aulas em uma escola rural em Beauvais. Mas as coisas parecem que não surtiram efeito...pois nos estudos era muito fraco, mas como artista se deleitava na pura contemplação da paisagem e da terra, muito longe da sórdida penúria do bairro natal.
Em 1854, volta a Paris, e começa a frequentar uma escola de desenho, destinada a jovens operários. A sorte chegou perto dele, quando teve um encontro com Carpeaux um dos professores. Seus fracassos anteriores se converteram em medalhas de bronze, e em seus primeiros prêmios.

Rodin era disparado o melhor, isto nos faz entender que nem todos nasceram para o estudo, mas o dom, esse já vem formado. Mesmo tudo correndo as mil maravilhas, Rodin, vagava inquieto pelo Louvre, estudando e contemplando as obras primas. Em 1857, tentou conquistar por 3 vezes um espaço na Escola de Belas Artes, mas humildemente obedece seu destino, terá que formar-se longe das academias, dos lugares da Arte e se sujeitar a uma vida obscura e anônima. Trabalhava como menino de recado da mesma forma que Carpeaux(seu professor)no passado. Como vendedor em bazar e por fim, como pedreiro, sob as ordens de um decorador.
Com o escasso dinheiro que reúne, aluga um salão e o transforma em um estúdio. Modela uma cabeça de vagabundo e em 1860 um vagaroso retrato do seu pai.
Quando tudo parecia fluir, entra em desespero ao saber da morte de sua irmã, e se afunda num abismo. Tão grande é a dor que experimenta, que abandona tudo, batendo as portas de um convento, possuído por vertiginosas experiências religiosas – “ Quando era jovem e comungava me sentia penetrado por uma força que me transportava” – disse ele, de si mesmo.
Lá retratou o padre Eymard e em conversa com ele enquanto posava, percebeu que sua entrada na religião tinha sido uma fuga. E o padre então o anima a sair da ordem religiosa, e resgatar sua vida... assim foi...Rodin voltou com mais experiência, mais conhecimento, e mais forte pra continuar sua lida. Prosseguiu com seus dotes artísticos nas ruas, ateliês e ofícios.

Em 1864 entrou no ateliê do escritor Ernest Carrier Belleuse, e trabalhou na decoração escultórica de inúmeros edifícios de Paris. Nesse mesmo ano vê excluído do salão – “O homem do nariz quebrado”, ao mesmo tempo conhece “Rose Beuret(uma aprendiz de costureira) com a qual se unirá para sempre.
O futuro criador de “As portas do Inferno”, livre e espontâneo, indomável, se vê obrigado a vestir o uniforme de cabo da guarda nacional e submeter-se a disciplina militar, durante a guerra de 1870, entre França e Prússia, dado baixa por deficiência visual, continuando o seu trabalho com Carrier-Belleuse.
Em 1871, vai para Bruxelas trabalhar nas figuras que adornarão o novo edifício da bolsa.
No ano de 1875 partiu para Itália, onde estudou a obra de Michelangelo até 1877, retornando a Bélgica e depois a França. Participou do círculo artístico e literário de Bruxelas e do salão dos Artistas franceses com sua obra – “A idade do Bronze” – em 1877 como título de “O Conquistado”, e depois no salão de Paris, já com o título definitivo. É um não absoluto, masculino, e adolescente, tão realista, que os críticos se negaram a abdicá-lo a um escultor desconhecido e afirmaram que tinha sido realizada a partir de um molde extraído de um modelo vivo. Houve necessidade de abrir investigação na qual chegou a intervir o Ministério das Belas Artes, para que por fim a comissão encarregada declarasse que o autor não era um grande artista, mas que seria um grande escultor.
Hoje mais de 150 cópias da escultura adornam os museus do mundo. Porém naquela época não era dado a Rodin o devido valor, tendo que trabalhar para outros escultores.
O antigo padrinho “Carrier Belleuse” – o contrata como desenhista de vasos de SÉVRES e enquanto isso, Rodin dá início a outra obra prima – “São João Batista”, que foi exposto no salão em 1880 e foi um grande sucesso. Finalmente se reconheceu Rodin, - um grande escultor -!

*Essa história não termina aqui, no próximo capítulo eu termino, mostrando inclusive a maior obra deste artista - "O Pensador" - e a releitura que fiz de sua obra, me aguardem! Pois a parte mais "bonita" virá, onde mostrarei através de uma analise, um homem que eu encontrei através de suas obras, e em particular-"O pensador" - onde me afundei dentro de sua alma para poder entender e viver seus sentimentos mais profundos, e ricamente demonstrado através de uma visão de mundo, e do ser humano, e seus maiores valores!

Galeria Aberta

2010-05-01T00:16:00.006-03:00

Beleza Oculta - Acrílico s/tela - 50x50 -Waleria Lima-

Uma obra pode dar satisfação, agradar, surpreender, ampliar nossa compreensão sobre um tema, ou enriquecer nossa percepção de formas.
Pintar não é só cansar o corpo, mas por dentro também, e quando acabamos sentimos uma sensação de bem estar, é como se estivéssemos lá dentro do quadro, fazendo parte da obra!

Este quadro é mais um de minhas criações –

O vento do outono varrerá as folhas murchas - Jean Antoine Watteau - Francês - 1684/1721

2010-04-05T14:40:00.011-03:00

Assim que olhei esse quadro me apaixonei por esse artista, que me aproximou da essência lírica e deliciosa de um romantismo que hoje se encontra tão longe da alma humana! Seria um jogo de palavras que nos submete aos sentimentos mais profundos, que merecem ser estudados, interpretados, e “talvez” imitados.

Esse artista tem nesta pintura, sua obra prima – GILLES – um pierrot gigantesco, seu auto-retrato espiritual: onde representa através da pintura seus traços marcantes, entre a timidez e a sensibilidade, onde os sentimentos se confundem e se declaram num breve e tão despercebido sorriso, o menino que mora dentro dele, e num olhar doce e triste, declara sua fragilidade em relação ao tempo. De braços caídos, de forma desanimada assiste ao espetáculo sem participar dele.

Sua ascendência familiar, vinda de seu sobrenome (Gateau-doce) houve doceiros e padeiros. Honrou a tradição, criando uma obra saborosa, para a imaginação deliciosa para os sentidos, sugestiva para o sentimento.
Seu pai, era um humilde pedreiro (trabalhava c/ardósias) e quando o filho já estava em idade de ajudá-lo, provocou a ira paterna ao preferir entrar no ateliê de Gerin, um pintor da cidade natal – Valenciennes – localizada próxima a fronteira de Flandres, recém conquistada por Luís XIV. Nesta época tinha 14/15 anos. Não satisfeito, o mestre por sua parte também não conseguiu reter muito tempo o precoce discípulo, e como seu pai se recusou a pagar pensão, abandonou sua casa, sem dinheiro, sem roupas, com o único desejo de refugiar-se em Paris, na casa de algum artista. Mas como tudo é difícil nesta vida, lá encontrou muitas dificuldades. Foi trabalhar para um fabricante de quadros em série da ponte de Notre Dame.
Aproveitava suas andanças para registrar tudo aquilo que lhe chamava atenção: andrajosos, mendigos, cortesões enfeitados, injuriadas prostitutas e damas refinadas.
O trabalho esgotante, o salário miserável, o mal ambiente, desgastam muito em breve aquela juventude frágil e sensível corporalmente, incapaz de sustentar durante muito tempo sua disposição e força de espírito.
Watteau não demorou a contrair uma irreversível tuberculose.

Mais flamengo que francês freqüenta círculos de antigos compatriotas em Saint-German. Graças aos marchands Jean e Pierre- Jean Mariette conhece Claude Gillote, desenhista que tinha trabalhado na comédia Italiana, expulso do país por influência de madame de Maintenon: a Comédie Française – não tinha podido suportar o êxito dos cômicos italianos.
Através de Gillot, familiariza-se com os personagens da Farândola. Os fantásticos, delicados e risonhos arlequim, colombina, mezzetino, scapino...até 1708 colabora com Gillot e conhece Claude Aubran, decorador de palacetes e alguns conjuntos florais, bestiários, comediantes e pastores que se repetem uma e outra vez. Graças a Aubran, conservador do palácio de Luxemburgo lhe abrem a porta deste, e a coleção das pinturas que Rubens fez para Maria de Médicis. Seu coração se alegra diante daquela jovialidade colorida e viva. Nos jardins do palácio, exuberantes e belos, encontra sua paisagem predileta; passando a ser seu cenário favorito. Ali encantado pela beleza, Watteau, pintava envolvido pela música que seu amigo Julien (violoncelista) interpretava para ele.

Inovador e criador, não desdenhava da disciplina dos estudos acadêmicos. Em 1708, inscreveu-se na academia situada no Louvre. Nesse mesmo ano participa do prêmio de Roma. Decepcionado por ter conseguido apenas o segundo posto, regressa a Vallenciennes. Encontra-a em cenário da guerra, entre o rei da França e o Imperador. E da mesma forma que tinha vagado pelas ruas de Paris, coberto de lama acompanha os soldados, contempla as suas atividades, armazenando material suficiente.

Seus quadros são inundados na teatralidade-

Muitos tem motivos variados e várias interpretações.

A música está sempre presente.

Identifica-se com o estilo rococó. (estilo artístico de origem francesa caracterizado pelo excesso de elementos decorativos).

Pinta desfiles de tropas, acampamento, ronda de soldados. Seus quadros conseguem um grande e inesperado êxito em Paris. Seu marchand - Pierre Sirois – o anima a regressar e oferece sua casa, onde conhece o genro deste – Gersaint – que se transformou num grande amigo protetor e biógrafo.
Em Paris consagra-se a pintura. Encerra-se no ateliê e utiliza como modelo seus próprios desenhos, realizados com lápis vermelhos e negros e lápis brancos para os toques de luz.
Watteau é simples em seu viver, e em suas pinturas procura exprimir o seu mundo fragrante, sensitivo, feito de graça, refinamento e beleza. Seria um gesto de generosidade, ao se aproximar do eterno, mesmo sabendo que o limite estava presente em sua realidade.
Em sua suave tristeza, tenta cobrir o que os olhos não querem ver. Através de sua pintura se faz presente: ouve sussurros, espia os beijos, presencia os bailes, sente cada nota musical, sonha com a mitologia, vive o amor que só pode realizar com seus pincéis, pois não se atreve, pois tem medo que a proximidade rompa a poesia.

Igualou em anos, trinta e sete a outros dois criadores: Rafael e Van Gogh, e com eles marca a história da pintura. Se há um antes e um depois de Rafael e Van Gogh, existe um modo de pintar anterior e posterior a Watteau .
Termino esta postagem dizendo:
_ O vento do outono varrerá as folhas murchas, mas jamais varrerá Watteau de minha lembrança!

O Argentino mais Baiano do Brasil - Hector Júlio Páride Bernabó - Lanus-Argentina (1911/1997

2010-03-14T23:14:00.009-03:00

A liberdade está na possibilida
de de escolher aonde viver, de que maneira e que benefícios nos trará, para exercitar em nosso cotidiano a nossa verdadeira vocação.
Tem pessoas que nasceram só pra trabalhar e ganhar dinheiro, outras conseguem perceber de forma clara e simples que o trabalho pode ser também uma forma de lazer, pois aquilo nasce de uma forma espontânea, e o maior ganho está num nível mais alto, onde o comum não pode alcançar, nem se pode entender.
Terra da música, dança, escritores, pintores, um povo com gingado malandro, de fala mansa, ninguém imaginaria que um argentino deixaria sua terra natal, para adotar um lugar festeiro, próprio para quem vive em festa.
Você já foi a Bahia? Carybé teve seu 1° encontro com ela em 1938, numa manhã de Agosto. Estava de passagem, enviado pelo jornal argentino para o qual trabalhava.
Através do romance escrito por Jorge Amado, cresceu dentro desse artista o desejo de conhecer a Bahia... foi amor a primeira vista, e assim como um adolescente foi surpreendido por um cenário colorido, pela luminosidade, pela malemolência, pelo mar, que descobriu sua eterna fonte de inspiração. Naquele momento surgiu sem dúvida uma enorme vontade de aportar naquele estado, e ali recomeçar a orquestrar sua vida, e assim foi...

Carybé era curioso e buscava a autenticidade dos povos, seus costumes para retratar em sua arte. Aprendeu o gosto pelas viagens com o pai, ( Ênea), italiano de Toscana. Passou a infância na Itália e a adolescência no Rio de Janeiro. Era filho de mãe brasileira. E dessa época que surgiu o apelido Carybé – dos tempos de escoteiro (e nome de um peixe da região Amazônica) e que acabou adotando artisticamente, para não ser confundido com o irmão que também era Bernabó e artista.
Com a falência do jornal em que trabalhava, voltou a Argentina e lá conheceu sua companheira, Nancy, com quem teve filhos e viveu até o fim.
Em 1950 decidiu definitivamente viver o sonho que havia sonhado, aportou 1° no Rio de Janeiro, para trabalhar como ilustrador na Tribuna da Imprensa, mas largou tudo, quando conseguiu uma bolsa para fazer o que mais queria, pintar na capital Baiana.
Salvador naquela época (década de 50) tinha no máximo 300 mil habitantes, pouquíssimos automóveis, muitas carroças e bonde de 1 trilho só. Quem queria acontecer ia embora para o Rio ou São Paulo (assim como fez Jorge Amado), mas Carybé fez o caminho oposto. Instalou-se com a família numa casa pequena num bairro (Ondina) afastado, e sua estrutura na época sequer tinha iluminação elétrica. Lá conheceu o escultor Mário Cravo Jr, (com quem fez amizade fraterna), trabalharam juntos, viajando para o interior, pesquisavam artistas populares, trazendo informações, fizeram a arte contemporânea emergir nesse canto do nordeste. Um trabalho que valorizou a formação do povo, e ajudou na definição da identidade Baiana.

No começo da década de 60, depois de fazer o painel para o aeroporto John Kennedy, em Nova York (hoje transferido para o aeroporto de Miami), ganhou um bom dinheiro e comprou uma casa em Brotas (Salvador) num terreno de 2,5mil metros quadrados, e atrás da casa fez seu ateliê, onde passava os dias pintando, desenhando, esculpindo... era um artista de muitas técnicas, trabalhava em várias peças ao mesmo tempo(aliás, eu também sou assim). Quando enjoava de uma, continuava outra. E quando queria parar, saía para uma volta no mercado, no terreiro, ia plantar, pois adorava mexer com terra, e sempre que viajava trazia sementes.
Jorge Amado registrou que Carybé era um autêntico Baiano do povo: “– plantou raízes tão profundas na terra Baiana como nenhum cidadão nascido e amamentado!”
Em suas pinturas figurativas, podemos ver o retrato vivo de um povo festeiro, cenas cotidianas, as mulatas de corpos fartos, os santos do candomblé, as festas...
Os trabalhos que mais lhe davam orgulho eram os murais, pois ficavam em lugares públicos, vistos por muitos.

Em comemoração dos 70 anos de chegada a Bahia, em 2008 o Instituto Carybé juntamente com o Instituto Verger, lançou o livro Carybé & Verger, " gente da Bahia", que reúne trabalhos do artista e do fotógrafo francês (eram bastante amigos), onde retrataram o modo de vida em Salvador. As vezes as cenas eram tão parecidas que foram unidas – pintura e fotografia – como uma única obra, dando espaço a uma exposição no Museu de Arte Moderna de Salvador, em Maio de 2009. O Instituto estuda agora uma maneira de manter essa rota como uma atracão da cidade, e prevê também a abertura do ateliê a visitação pública, pois tudo lá está como o artista deixou, quando saiu de cena(1997-enfarto): tintas, trabalhos inacabados, biblioteca, deixando cerca de 5.000 obras, entre elas: aquarelas, serigrafias, ilustrações de livros de Jorge Amado, Mário Vargas Llosa e Gabriel Garcia Marques, murais, azulejos, gradis...
Carybé recebeu convite para morar nos Estados Unidos, mas seu coração já pertencia a Bahia, uma terra cantada por Dorival Cayme, falada por Jorge Amado e pintada por suas mãos!

O Pequeno Principe e uma mensagem de sabedoria!

2010-02-25T16:36:00.008-03:00

Agora sim, o ano novo começa.. .rsrsrs.. .Por isso pensei em entrar com o pé direito. Conversei com a Walzinha e ela imediata
mente falou:
_ foi o tempo que perdestes com tua rosa, que fez tua rosa tão importante!”

_ Então pensei que esta postagem sem dúvida seria dedicada a todos os meus “amigos internautas”, que prestigiam o Wallarte, e dizer que são por eles e por mim é claro... rsrsrs... que rego todos os dias esse meu espaço aberto ao mundo. Um verdadeiro desafio e ninguém melhor que a Walzinha para narrar:

_ era uma vez um Pequeno Príncipe que habitava um planeta pouco maior que ele, e que tinha necessidade de ter um amigo. Olhava o céu azul com suas estrelas piscando e conseguia ver que são nas pequeninas coisas que estão o verdadeiro tesouro!
Esse príncipe descobriu que sozinho ele não era absolutamente nada, que o amigo verdadeiro e fiel é que dá sentido a nossa vida!

Já estou começando a ficar ansiosa, agitada, pois sei que daqui a pouco algum “amigo” entrará no Wallarte, e deixará ou não um comentário e assim descobrirei o preço da felicidade!!!

Enfim... para aqueles que compreendem a vida, parece sem dúvida uma história verdadeira!

Geografia Espanhola nas pinturas de Joaquin Sorolla Y Bastida -pintor espanhol-Valença -1863/1923

2010-01-28T18:22:00.015-02:00

Será que quando nascemos temos destino marcado, ou somos nós que fazemos nosso destino? Nascer, crescer, fazer escolhas, como é difícil viver! Acredito que sem a arte o ser humano não seria nada, não teria o registro de uma história, cultura e não desenvolveria sentimentos nem emoções!
Hoje conto uma história de um pintor que mesmo órfão aos 2 anos de idade, foi educado pelos tios, recebendo deles orientação para sua verdadeira vocação – o desenho e a pintura, onde foi estudar na escola de belas artes de sua cidade natal. Se foi presente de Deus, não sabemos, mas na verdade tudo isso amenizou e enriqueceu sua vida. Sempre muito dedicado, aos 20 anos conseguiu seu primeiro êxito – uma medalha – na Exposição Nacional de Madri com um quadro onde se agitavam numerosas figuras em um grande espaço –– e assim foi sua trajetória de vida, cheia de sucesso e honras.

Em 1895 obteve vários prêmios por suas obras dedicadas ao mar e a pesca. Seus êxitos prosseguiram em Paris, Munique, Chicago, Viena, Berlim e Veneza – Sorolla, que tinha começado a encontrar-se ao conhecer os impressionistas, descobriu seu próprio centro de gravidade, ao descobrir em JÁVEA, no verão de 1894, o mar, a praia ensolarada com seus banhistas e seus tipos. Durante muitos Verões o viram sempre com seu cavalete, suas telas e pincéis na mesma praia. Nesses quadros tão variados como unidos por idêntico tema, únicos na história da arte, realiza com singular alegria, vibração e intensidade em suas inconfundíveis cenas de praia que estouraram luz e são capazes de transmitir sua incontida alegria ao espectador. Daí seu êxito em Berlim, Dusseldorf, Colônia e Londres, para prosseguir do outro lado do Atlântico em Nova Iorque, Búfalo e Boston.
A exposição em Paris contou com mais ou menos 50 mil visitantes; a de Nova Iorque mais ou menos 160 mil e Sorolla vendeu 200 dos 356 quadros apresentados.
Sorolla possuía luz própria como suas telas, e em conseqüência destas exposições, a instituição – Hispanic Society, encomendou-lhe o que seria seu canto do cisne: Um grande mural à óleo no qual deveriam estar representadas todas as regiões espanholas através de suas paisagens e figuras características.

Sorolla se dedicou completamente por 8 anos, viajou por toda a geografia espanhola, a fim de concluir as 14 grandes telas. A última, de 14 metros de comprimento por 3,5 de largura, medidas comuns a toda série, foi concluída em Ayamonte, na fronteira com Portugal.
Poucos meses depois Sorolla adentrou no abismo da enfermidade que o mataria 3 anos depois. Não pode acompanhar suas obras a Nova Iorque, que começariam a expor de forma permanente...Mas isso “talvez” não fosse relevante, mas sim a conclusão de todas as pinturas encomendadas.
Sorolla deixou além de uma época que bem pode se chamar “Sorolhismo”, mais de 2.000 obras acabadas, as que poderiam somar outras 20.000 levando em consideração suas anotações, desenhos e notas coloridas.Sorolla descobriu sua vocação e atribuiu em suas criações um caminho que o levaria ao sucesso, e definição de uma obra singular, própria de sua escolha, dedicação e amor a um tema que ao invés de prendê-lo lhe deu asas para voar, deixando em cada tela pintada, um mar que fala de várias formas e beleza!

Em Junho de 1932 pouco depois da morte de sua viúva, inaugurava-se em Madri o museu Sorolla propriedade do estado espanhol por legado da esposa do pintor, o museu de luz e cor, de autêntica pintura, tão espanhola quanto universal.

Arte Naif, pintura simples e pura - Henry Rousseau -1844/1910-França

2010-01-07T23:40:00.012-02:00

Caminhos trilhados muitas vezes sem entender, vagar por terras, povos, entre pessoas diversas. Uma criança que não tinha nada de concreto e depois adolescente uma fase difícil, onde a mente indaga e não encontra respostas... indeciso tem que se desfazer de tudo a todo momento, se transformando num andarilho, a procura da sua verdadeira identidade...quem sou eu? Pergunta que nos assombra a todo o momento em nosso mundo interior... que nos faz refletir sobre nossos atos, escolhas, naquilo no qual nos transformamos.
Entre o sol e a chuva por detrás da janela, estou eu, olhando não para fora, mas estou longe, dentro de uma história real, acontecida entre 1844 à 1910 – França, onde por um tempo fiz parte da vida de Henry Rousseau...que aos 19 anos em 1863 cometeu vários pequenos atos delituosos próprios da malandragem itinerante, ingressando no exército que “talvez” tenha lhe dado uma visão do certo e o errado.

Conforme a lenda que ele mesmo encarregou-se de fomentar, fez parte como saxofonista da banda de um regimento militar destinado no México. No entanto, fontes mais seguras mostram que foram frutos de sua fantasia, nutrida isso sim, pelas recordações dos soldados amigos que tinham regressado daquele exótico país.
Rousseau possuía uma carência que lhe fazia companhia, não só pela vida e o modo como ela se apresentou, como as perdas, do pai, dos filhos e da esposa, que lhe causaram solidão, angústia e saudade... talvez assim buscasse criar um mundo diferente do qual ele já conhecia.
Depois da guerra Rousseau arranjou emprego como aduaneiro de 2ª categoria, e esse lhe consumiam 70 horas semanais e passa ser entediante ócio o qual começa a preencher com sua afeição ao desenho. Assim pouco a pouco, Rousseau descobre a sua vocação pela cor e pela pintura.

Em 1884 obtém um passe de copista para poder entrar no Louvre e dois anos depois rejeitado pelo salão, expõe no dos independentes. Neste mesmo ano decide abandonar o seu emprego com uma modesta pensão, a fim de poder dedicar-se a sua vocação.
Aos 42 anos Rousseau, pinta limitando-se ao seu próprio estilo, refletindo as paisagens que a sua fantasia lhe mostrava, procurando seus modelos no jardim de plantas.
Em 1892, por ocasião de uma mostra pictórica, seu auto-retrato arrancou de Gauguin estas palavras:
_ “Isto é pintura, a única coisa que nesta exposição pode ser chamada pintura!”.
Pintor autodidata, que apesar disso, não retrocede no seu desempenho, compartilha seu amor a pintura com quem acaba de chamar a sua porta: Casa-se com a viúva Josephine Noury, mas ao fim de 4 anos estava viúvo outra vez.
Consegue um título de professor de desenho e começa a dar aulas particulares, as quais lhe permitem pagar as dívidas contraídas com seu fornecedor de telas, que o havia denunciado como caloteiro.

Em 1907, talvez em recordação de uma marginalidade de adolescência se vê implicado em um roubo ao banco da França, pelo qual é julgado e condenado a 2 anos de prisão menor; mas Picasso colocou seus olhos nele: comprou um de seus quadros, que levava constantemente consigo. Em 1908 organiza em sua homenagem um jantar ao qual comparecem entre outros: Braque e Apollinaire. Este lhe encomendou o retrato de sua amante _ Marie Laurencin: _ Rousseau pinta um quadro imenso, totalmente ocupado pela retratada. Quando esta irritada, joga-o na cara do pintor! Ele respondeu com toda a candura deste mundo:
_ " Um grande poeta, necessita de uma grande musa!"

Apoiado por nomes tão célebres, Rousseau teria podido desdobrar-se nas glórias da nova e incipiente fama; mas não foi assim.
Um terceiro amor não correspondido tirou-lhe a vontade de seguir adiante. Cansado de lutar e criar ilusões, esse artista considerado o 1° e mais famoso pintor naif, desistiu de interpretar seu papel, desceu do palco, e se recolheu ao fracasso.
Morreu em 02/12/1910 em um hospital de Paris. Só 7 pessoas compareceram ao seu enterro. A cova comum acolheu os seus restos mortais. Dois anos depois, mãos piedosas os levaram a uma sepultura individual, na qual Apollinaire gravou uns versos ao artista independente, socialista e sem outro Deus que frondosa natureza, entre infantil e paradisíaca.

Agora eu consigo ver através da minha janela suas pinturas em cores vivas. Imagens desproporcionais e algumas vezes irreais, de forma simples e pura.

Oi turma! Bem vindos ao blog Wallarte!Não nos vemos desde o ano passado, há, há, há...
Uau! Que história empolgante deste artista! Agora fala sério: a arte NAIF está ligada ao genuíno, então podemos dizer que a arte Naif é ser autêntico? – Hum... que tal quebrarmos um pouco a cabeça?

Voltarei em breve...xaaaaaaaaaaaaau!!!

Sonhos e Revelações!

2009-12-20T22:46:00.013-02:00

Tudo começou através de um sonho!

Eu me vi num lugar que havia muitas portas e minha curiosidade não permitiu que eu ficasse ali parada, somente olhando. Fiz “uni-duni-tê” e escolhi uma das portas e abri...e como num conto de fadas, um vento forte bateu em meu rosto delicado, e me puxou pra dentro...e mais que de repente me vi muito assustada, com medo, devo admitir: voando no espaço onde meu corpo ia virando cambalhotas sem fim, e assim fui sendo levada não sei pra onde. Eu gritava, gritava, mas parecia que ninguém me ouvia, até porque esse mundo não era dessa dimensão.

Até que de repente levei um susto quando nesse vai e vem me deparei com um ser estranho, de orelhas compridas, que hoje chamo de “mascote”(que mostrarei algum dia “talvez”), quando finalmente me vi dentro de um atelier, muito bagunçado, mas como os artistas são “loucos”...rsrsrs...não sei aonde escutei isso, mas não vem ao caso.
As paredes estavam cheias de quadros, e quando me deparei diante de um deles parecia uma pintura de “Monet”, mas quando fui tocá-lo, percebi que a tinta ainda estava molhada, e fiquei pensando: _ que coisa estranha!! Quando do nada apareceu em minha frente um homem bem exótico e que se dizia pintor, só me lembro que ele me disse:
- a beleza está dentro de você! E eu nunca mais esqueci!
Quando acordei tive a impressão que aquilo não era um sonho, mas a minha realidade!!!

Como já havia prometido algumas novidades no Wallarte, apresento a personagem Walzinha(que sou eu mesma) que acabou de ser criada através desta minha postagem onde o sonho e realidade se confundem e nos mostram que nada acontece por acaso.
Aparecerei de vez em quando com perguntas, dando opiniões ou quem sabe novas estórias... me aguardem!!!

Espero que o Natal de todos seja abençoado, onde a paz e o amor estejam presentes, e que o ano de 2010 seja pintado com muita harmonia!
Até lá...

TATUAGEM COMO SINÔNIMO DE CORAGEM

2009-12-02T16:38:00.003-02:00

Dizem que os homens da história se orgulhavam das cicatrizes propositais, pois eram sinônimos de coragem. Estudos mostram que essa prática sempre esteve ligada a história da evolução do homem.
O desenho vai se formando na pele delicada, sendo marcada com pigmentos, é tecnicamente uma aplicação subcutânea, realizada com agulhas.
Substituímos a tela e feito índios, enfeitamos nosso corpo.

Foi a partir das viagens do capitão inglês “James Cook”(também descobridor do surf)no sec.XVIII que a tatuagem ou dermopigmentação, ( “dermo =pele - pigmentação” – ato de pigmentar ou colorir), ganhou tradição inglesa na palavra TATOO(uma das formas de modificação do corpo mais conhecida do mundo), onde passou a ser reconhecido como “o pai da palavra –tatoo”.
A tatoo percorreu vários caminhos tortuosos, gerada com muitos preconceitos, associada à idéia de tatuagem como elemento de exotismo “selvagem”, e a idéia da tatuagem como elemento de marginalidade.

A igreja católica na Idade Média baniu a tatoo da Europa, com argumento que era coisa do “demônio”, assim procedendo com a intenção de ocultar antigas culturas e costumes, introduzindo a sua doutrina de uma forma ditatorial.
Na Inglaterra, o governo adotou a tatuagem como uma forma de identificação de criminosos, e a partir daí ganhou conotação “fora da lei”, no ocidente.
No Brasil no início do sec.XX, no Rio de Janeiro, havia basicamente 3 grupos de tatuados: os imigrantes portugueses, as prostitutas, e os marginais, todos englobados num heterogêneo grupo social chamado de “classe baixa”. Nela, a tatuagem era feita com agulhas de costura e fuligem ou ainda tinta, anil, graxa ou pólvora.

A tatoo elétrica foi desenvolvida em 1891 por “ Samuel O’Reilly". Um aparelho baseado em outro extremamente parecido, que havia sido criado e patenteado por “Thomas Edson” – para “ marcar couro”.
Somente nos meados dos anos 60, ele surgiu na cidade portuária de Santos – São Paulo, introduzida pelo dinamarquês “Knud Harld Likke Gregersen” – conhecido como – “Lucky Tatoo” – que teve sua loja nas proximidades do cais, onde na época era zona de boemia e prostituição da cidade de Santos.
Isto contribuiu bastante para a disseminação de preconceito e discriminação desta arte. Pois era uma zona de intensa circulação de imigrantes embarcados, muitas vezes bêbados, arruaceiros e envolvidos com droga e prostitutas.

Hoje a tatuagem vem atingindo todas as camadas da população mundial, sem distinções. Temas infinitos que variam tanto quanto as personalidades dos tatuadores e tatuados.
Os motivos são diversos e não há uma forma definida que explique de fato o desejo, o ato de se tatuar, mas uma coisa é certa, tatuagem não é algo descartável, por isso é fundamental pensar bem, não se deixar levar pelo impulso, modismo, pra mais tarde não se arrepender, pois a retirada é feita a laser em várias sessões(pois depende de vários fatores) e fica muito caro.
Só uma coisa eu digo:
_ temos que ter personalidade e responsabilidade na escolha do desenho, do local e do tatuador (que será feita a tatoo) e principalmente levar em conta alguns fatores como: higiene, protetores descartáveis, equipamentos esterilizados, aventais, luvas, máscaras, a existência de um livro de registro de cliente e de um termo de licença sanitária(ANVISA) e seguir as orientações do tatuador, após a realização da tatuagem, para que a cicatrização seja perfeita.

O ser humano traz catalogado em si, um universo muitas vezes desconhecido por ele, pois nem sempre nos damos conta do todo, e o real valor e significado de todas as coisas...e com o decorrer da vida, muitas idéias vão tomando forma, modificando, e muitas coisas que não aceitávamos, passamos a vê-la fazendo parte do nosso universo!
_ Uma obra não assinada:
“ Menino do Rio, calor que provoca arrepio
Dragão tatuado no braço”...
Não me arrependo de nada, pois no decorrer da vida somos todos marcados, querendo ou não!!!
Até breve...

Desenho a Nanquim

2009-11-16T23:08:00.018-02:00

Sempre gostei muito de trabalhar com o preto e o branco, talvez como muitos fotógrafos, que apesar de toda
tecnologia existente ainda preferem retratar em preto e branco,
por achar que a
“autenticidade”
está no que captamos,
no lado positivo e
negativo. Eu em particular,
digo que existe aí, uma beleza
ínfima, onde a expressão grita
na sua forma original, e os
traços se limitam no
contraste de duas cores
que se complementam na
“ausência e na presença”.

Quando comprei minha primeira caneta nanquim, eu não sabia usar direito, comecei me aventurar entre linhas, rachuras, sobrepondo-as, variando o espaço entre elas afim de criar gradações de claro e escuro. Entendi que tinha que ser dinâmica, audaciosa, delicada e rendilhada, o desenho provoca um impacto direto, vivo.
O trabalho com a caneta e tinta tipo nanquim é direto e muitas vezes sem retorno: depois que foi feito uma marca no papel, é muito difícil(as vezes impossível)apagá-la, portanto não há lugar para indecisão. O ideal é contar com a segurança para saber o que vai colocar no papel antes de começar.

O desenho com tinta a nanquim é um dos meios mais antigos de expressão visual do homem; de fato os chineses fabricam tinta preta desde 2.500aC.
Através dos tempos a engenhosidade do homem produziu varetas mergulháveis em tinta, penas cortadas e modeladas e caniços cortados, sem falar da caneta bambu usada durante muitos séculos pelos chineses, e até hoje preferida por muitos artistas.

Atualmente existem tintas tipo nanquim a prova d’água(solúveis, adequados a diferentes estilos de desenhos) e vários tipos de caneta a nanquim(com medidas de pontas que começam com 0,1 à 2,0- a espessura do traço varia com a superfície do traçado e tinta).
Portanto se você sempre achou que a tinta é um material mais apropriado para escrever do que desenhar, está por fora...rsrsrs... alguns dos melhores desenhos que o mundo já viu, foram executados por artistas que trabalham com simples tinta preta. Sendo assim, eu continuo usando minhas canetas (que são muito bem cuidadas)...desenhando de forma livre e solta tudo aquilo que vejo, sinto, sonho e transformo através de meus traços!!!

Obs.: Todos os desenhos em nanquim são de minha autoria.

AQUARELA, técnica fascinante de pintar

2009-10-27T16:15:00.010-02:00

Aquarela: Pintada por Waleria Lima

Quando olhamos para nós mesmos, e enxergamos aquele que se encontra camuflado num corpo estranho, temos a nítida impressão que somos realmente como a própria natureza, e que por trás de nossa janela, existe a luz do sol, e tudo é belo de fato lá fora; e ora nublado encobrindo o azul do céu ...e tudo é visto de outra forma, e assim somos nós!! Então por que tantas cobrança se somos vulneráveis a todo tipo de mudança? Por que nos cobramos tanto, se de fato somos o que a escritora Cecília Meirelles deixou bem claro em sua poesia: “ Ou Isso ou Aquilo”?
Você deve estar a se perguntar o porque de tudo isso, mas fique calmo! É que hoje vou falar de uma técnica fascinante de pintar, e o mais antigo processo artístico que se conhece. Suas cores são apresentadas em matéria pastosa acondicionadas em bisnagas de chumbo. Há também as mesmas cores em pastilhas duras, para serem dissolvidas por meio d’água. Tem particularidade vantajosa de ser misturada a uma infinidade de outras tintas aquosas, como: guache, tintas vinílicas, anilinas, ao nanquim, a ecoline, a tinta acrílica, além de possibilitar muitas outras. Já sabe o que é?? Tá boooom, vou falar: - AQUARELA - Essa técnica de pintura fundamenta-se na sua extrema simplicidade de meios; esta simplicidade, no entanto é aparente.

Entre os artistas e mestres genericamente a aquarela é considerada como gênero mais difícil, entre todos os outros processos conhecidos. Realmente existe verdade nesta afirmação, aliás, sabemos nós que tudo “aparentemente” mais simples, acaba tornando-se mais complicado, talvez por exigirmos muito de nós, e exagerarmos na dose.
É comum ouvir: - o difícil é a mistura das cores; realmente concordo que é difícil, entretanto para quem pouco ou nada sabe do ofício.
Se não conhecermos por experiência o comportamento das diversas cores e gamas cromáticas, no que tange justaposição das mesmas que em paralelo fornecerão um segundo efeito harmônico, então jamais poderemos terminar satisfatoriamente uma paisagem, uma natureza morta... Resumindo, sem técnica o pintor não saberia o que fazer das tintas.
O artista precisa ter resistência, persistência e força interior afim de poder superar as fraquezas até a meta a que se determinou!! Estes são os princípios fundamentais da arte... insistir, não desistir jamais!! Por isso hoje, eu entendo que mesmo quando cometemos um erro realmente grave, podemos tirar proveito dele de diversas maneiras. Além disso, a própria tentativa de corrigir os erros eventuais, e através destes fazer descobertas interessantes e inestimáveis lições. Soluções que o tempo jamais seria capaz de ensinar.
A aquarela é praticada com meios absolutamente inversos aos da pintura a óleo. Na pintura a óleo as tintas são levadas a tela em camadas densas sobrepostas, reservando as “luzes” para o final; já na aquarela, as luzes deverão ser levadas em consideração de início, representadas unicamente pelo fundo branco do papel (pois a cor branca não existe, já que as cores são transparentes) de preferência granulado e áspero, pois assim as tintas aderem adequadamente.

O tributo da pintura a óleo é a opacidade. Ao inverso, na aquarela devem sobressair suas vistosas cores translúcidas.
A aquarela é um meio de expressão delicado, e transparente, que exige rapidez, sem se ater as minúcias, e sem sobrepor a tinta para retoque, por isso, o motivo de tantos estudos.
Quando vemos uma aquarela pronta, não imaginamos quantos segredos cabem nesta técnica aparentemente “fácil”. Então eu pergunto: - Você sabia que ao secar, a aquarela perde a metade de seu colorido? – Então!! Por isso um esboço que pareça vivo se tornará pálido e esmaecido quando acabado.

A aquarela apresenta um bonito efeito de transparência porque nela se utiliza pequena quantidade de cor diluída em muita água. Com a evaporação, o papel branco ou amarelado adquire a luminosidade: a luz se reflete por meio da transparência da tinta. Pode-se no entanto, aplicar outras camadas de tinta, até obter uma coloração mais forte.
Você deve estar pensando: - engraçado, ela disse que se deveria evitar a sobreposição de tinta para retoque... e agora.!?!
- Correto!!! A medida que se pintam novas camadas, a transparência da aquarela vai desaparecendo e sua luminosidade pode se anular por completo, e este é o problema...por isso, o esboço seja tão importante , para alcançarmos a meta do ideal sonhado, e a chave deste segredo. “Talvez”, seja desnecessário dizer, é “a paciência”!! Quando estiver pintando o céu de uma paisagem, lembrar que devemos pintar com tonalidades bem mais escuras, afim de obter uma tonalidade geral mais exata depois de seca a aquarela. Desta forma evitaremos os retoques, os quais sempre tendem a subtrair o brilho da tinta original, anulando por sua vez seus distintos pigmentos.
Um dos aspectos fascinantes do trabalho com aquarela é que você pode criar efeitos não só acrescentando tinta, mas também removendo-a com uma esponja ou pano úmido.

Aquarela - Pintada por Waleria Lima

Resumo dizendo que a aquarela é a forma genuína de captar e esboçar de forma rápida espontânea e com segurança aquilo que queremos eternizar!
_ Que tal começar agora o esboço de uma paisagem por meio de figuras pinceladas, que constituirá mais tarde um manancial a recordar, cheio de saudade, de um momento que “talvez” nem mais volte a se repetir?!?

Perspectiva como poderoso instrumento.

2009-10-14T23:16:00.033-03:00

Ao contrário das esculturas e das instalações e na tentativa de representar a realidade no papel ou na tela, o artista se depara frequentemente com um dos problemas mais comuns neste campo: a representação da profundidade.
Entre o mundo que nos rodeia, os objetos que se encontram a nossa volta, percebemos neles 3 dimensões, ou seja: altura, largura e profundidade. Já quando pintamos um quadro em qualquer que seja o tema, nessa representação encontramos altura e largura. Trata-se de uma realidade bidimensional e não tridimensional. Portanto aquilo que o artista faz ao representar no seu quadro uma determinada cena que vê a sua volta, é uma verdadeira tradução de uma realidade já existente para outra totalmente diferente, que cria servindo-se de regras.

Devemos ter em conta que embora uma determinada cena em perspectiva nos pareça algo real e evidente, na realidade trata-se de mais um traço da nossa herança cultural.
Assim sendo, não existe uma regra absoluta para representar a realidade que nos rodeia de forma totalmente fiel, mas antes diferentes caminhos para nos aproximarmos do que seria uma representação satisfatória.
Além disso, é preciso lembrar que a perspectiva só fez parte da tradição pictórica a partir do renascimento, e isso apenas na cultura ocidental. Tanto noutras culturas como períodos anteriores o homem tinha outras formas de representar 3 dimensões numa superfície plana.
Hoje em particular, quero dar umas pinceladas sobre 4 tipos de perspectivas fundamentais para se conseguir bons resultados:

Temos a perspectiva aérea que é aquela linha reta que parte dos olhos do observador até alcançar a linha do horizonte (linha imaginária horizontal que se situa a altura dos olhos do observador). Esta linha que estabelece a altura dos objetos situados na sua trajetória. Essas vão diminuindo progressivamente até desaparecer no último plano da paisagem. Sendo assim, os segredos básicos para reproduzir a perspectiva aérea são bem simples: reduzir progressivamente a intensidade das cores do fundo e ao mesmo tempo clareando seus tons.
Acrescentar tonalidades de azul as cores para esfriá-la e iluminar textura e detalhes dos motivos do fundo, fazendo contornos incisivos para que pareçam borrões. Apenas acrescento de que nada adianta uma perspectiva aérea produzida com todo cuidado, parecerá falsa, se o primeiro plano e o plano intermediário não estiverem bem definidos, para ajudar o plano de fundo recuar. (isso na pintura).

Já na perspectiva linear quando observamos a realidade que nos rodeia, percebemos claramente que os objetos são vistos bem menores ao se afastarem de nós. Também vemos que duas linhas paralelas convergem ao longe até se unirem na linha do horizonte. Então vemos na pintura que além dos efeitos esmaecidos das cores dos planos mais afastados observamos que o tamanho desses objetos no plano de fundo parece diminuir.

Paisagem urbanas proporcionam a oportunidade perfeita para transmitir profundidade por meio da perspectiva linear.

Lembre-se de que as linhas paralelas das ruas e dos prédios devem convergir todas para o mesmo ponto

de fuga.

A perspectiva paralela(abaixo) utiliza-se quando se quer representar um ou vários objetos cuja a face frontal é paralela ao plano do quadro e as outras faces perpendiculares. Esse tipo de perspectiva caracteriza-se por ter um único ponto de fuga(pontos que se encontram quando prolongados na linha do horizonte). O referido ponto está situado no local em que a linha do horizonte e o raio visual central se intersectam. O raio visual central é, de entre todos os que se dirigem do olho do observador para o objeto, aquele que é totalmente perpendicular ao plano do quadro.

Um objeto está em perspectiva oblíqua, quando nenhuma de suas faces apresenta-se a frente do artista. A conseqüência disso é que não temos apenas uma série de linhas de fuga, mas duas correspondem os pontos de fuga na linha do horizonte. (abaixo)

Não há dúvidas de que a perspectiva é um poderosíssimo instrumento de que o pintor dispõe para representar na obra, uma cena de forma muito aproximada daquela que vemos na realidade. Portanto acho necessário ter algumas noções básicas sobre tudo aqui falado, para poder se expressar com segurança, no campo do desenho e da pintura realista, mas devo dizer também, que o uso ou não da perspectiva não faz com que uma obra seja melhor ou pior.até porque com o tempo muitas transformações mudaram radicalmente a nossa maneira de expressão.
Digo que além de um bom desenho e de uma boa pintura, também é necessário ter personalidade, sensibilidade e uma grande dose de bom gosto!

Delacroix Ferdinand Victor Eugène - França 1798/1863

2009-10-01T23:15:00.008-03:00

A Liberdade Guiando o Povo- 1831(óleo s/tela)

Como seria bom se todos perdessem algum tempo do dia, escrevendo sua história de vida! Quem sabe assim, pudéssemos fazer uma análise de nossas atitudes, traçar trajetórias, passar para outras pessoas as nossas experiências, descobertas...acredito que assim, poderíamos simplificar a vida, e nosso modo de ver as coisas.
Delacroix registrava em seu famoso diário com beleza literária, impressões croquis ou esboços iniciais, que depois, vinha enriquecendo com novos elementos. Sobre seu método de trabalho, escreveu:
_”Quando vejo o 2° croqui, de fato, quase copiado do anterior, mas no qual minhas intenções estão mais claras – tirando as coisas inúteis e introduzindo, por sua vez esse grau de elegância que sentia necessário para alcançar a impressão do tema – O 1° me é insuportável.”

Para ele, a arte é um trabalho de longa maturação, que nada tem a ver com as coisas que já nascem acabadas. A propósito registrou em seu diário:
_ ”O belo tão difícil de encontrar é ainda mais difícil de traduzir.”
Como os hábitos, como as idéias, ele sofre todo o tipo de metamorfose. Considerado o maior pintor romântico da França, Delacroix iniciou sua formação artística no atelier neoclássico Pierre Guérin (amigo de Gericault) e estudou os grandes quadros de batalhas do Barão de Grós. Experimentou também, aquarela e a gravura...

Estudos -Garanhão e égua (bico de pena)

Extraordinário colorista, de tons brilhantes, sombras luminosas e transparentes.
Suas obras baseiam-se na construção triangular ou diagonal, tão utilizada na renascença e no barroco, por pintores como Veronese e Rubens.
Delacroix gostava de abordar temas literários e patrióticos entre os quais “A Liberdade Guiando o Povo (1831), verdadeiro manifesto do novo romantismo revolucionário, exaltando a revolução de 1830.
A viagem para Marrocos em 1832, e o regresso através da Espanha, colocam em sua paleta novas cores vivas e luminosas.
Na costa africana, o pintor estuda a natureza, os homens, seus costumes, suas festas coloridas.
Delacroix executou também grandes ciclos de trabalho em Paris, entre os quais as alegorias do Palácio Bourbon e o teto da Galeria de Apolo, no Louvre.
Essencialmente romântico Delacroix, atormentava-se diante do realismo que começava a ser introduzido nas artes de seu tempo. Não via mais nada além das ilusões que pretendia criar com a pintura.

Foi com 50 anos de idade que Delacroix, começou a demonstrar maior interesse pelos animais. Ao acabar de ler um livro sobre história natural, registrou em seu famoso diário:
_”Elefantes, rinocerontes, hipopótamos, animais estranhos. Que variedade prodigiosa de animais, e que variedade de espécies, formas e destinos”!
Sem falar dos imponentes cavalos que ele pintou desde a juventude – “os cavalos de Delacroix”. – destacam-se dos que foram pintados e desenhados por artistas de todas as épocas, por duas características principais: - seus cavalos são sempre apanhados em movimento, empinados, na confrontação entre guerreiros, em luta com outros animais, ou enquanto rolam pelo chão feridos e geralmente estão aos pares, um diante do outro; ou um ao lado do outro, como na intitulada obra – “Cavalos que saem do mar”._ Aqui Delacroix coloca os dois fogosos animais em contra posição, mas numa relação de reciprocidade, onde um é a imagem do outro, o que acentua a profundidade da obra.Seus cavalos podem ser considerados figuras épicas extraordinárias. Eles são vistos na concepção romântica do pintor, como símbolo da elegância, por suas linhas arrojadas e significativos tons de pelagem. E traduzem no ímpeto do próprio movimento a paixão que anima a pintura deste grande mestre.
Apesar de longe da representação real, a imagem desses cavalos transmitem uma “notável sensação de realidade”. Vendo esses animais, tem-se a impressão de vida, de poder cavalgá-los, puxar-lhes as rédeas, e até sentir-lhes o cheiro. É um realismo que o autor alcançou, sem procurar a exata imitação, mas colocando em seu trabalho a “marca do espírito”, como gostava

de acreditar.

Cavalos que saem do Mar - 1860(óleo s/tela)

Delacroix tinha em seu diário um companheiro fiel, onde depositava tranquilamente todas as suas impressões, esboços e todos os tipos de sentimentos, onde as emoções tomavam conta de suas anotações.
Romântico, misterioso, sentia-se profundamente solitário – onde dizia: “Tenho dois, três, quatro amigos e sou obrigado a ser um homem diferente com cada um deles, ou melhor, a mostrar a cada um, a face correspondente. Esta é uma das maiores misérias; não poder nunca ser conhecido e sentido por inteiro por um mesmo homem. E quando penso nisso, creio que é a soberana chaga da minha vida.”
O atelier agora está completamente vazio. Este lugar que se viu rodeado de todo tipo de pintura, dentre as quais, muitas agradavam e despertavam uma lembrança ou uma emoção-mas fica aqui registrado, um pensamento de Cézanne sobre Delacroix: -“É a paleta mais bonita da França! Não há ninguém sob o céu que possua a vibração de suas cores!.

Um breve histórico da minha vida

2009-09-30T00:35:00.006-03:00

No dia 11 de Novembro sobre a regência do signo de escorpião, eu vim ao mundo.
“Os escorpianos são muito imaginativos, intuitivos e têm uma grande capacidade para analisar situações e pessoas. De todos os signos do zodíaco, são os que mais probabilidade têm para converter-se em gênios” -mas deixa isso pra lá... rsrsrs...
Nasci e cresci na cidade do Rio de Janeiro numa família de pessoas simples, mas de muita fibra, que me educaram e me ajudaram a entender o valor da educação e da família.

Minha infância foi recheada de muitas brincadeiras e personagens já imaginados.
Morávamos numa rua sem saída e minha casa tinha varanda e quintal grandes, onde eu e meus irmãos corríamos, pulávamos corda, pique, queimado, amarelinha, jogávamos bola, soltávamos pipa, por que não? Pois sempre gostei de ação! Um tempo onde criança era criança, com liberdade para brincar... mas tinha meus momentos “tranqüilo,” onde desenhava e cortava meus personagens, e depois dava vida a eles.

Já na adolescência, meus desenhos começaram a ganhar força e estilo. Sempre atenta a tudo, observava na natureza cada detalhe, o que muitos olhos não viam. É como observar o céu e ver nas nuvens desenhos formados.

Digo que sou autodidata, pois sempre trouxe dentro de mim a artista que nasceu, cresceu e se desenvolveu... atuo em várias categorias, dizem que sou “completa” – admito que mesmo fazendo tudo com amor, digo que a pintura é uma janela aberta onde revelo realmente quem sou!

Hoje, me dedico exclusivamente ao mundo das ARTES. Formei-me em Educação Artística e Artes Plásticas pela Faculdade Bennett – RJ onde tenho no currículo várias exposições de desenho,pintura(óleo/acrílico), módulos em papel, esculturas(pedra sabão, madeira, gesso), instalações, performances, capas de livros, logotipos, outdoors, cartões de natal, encomenda de desenhos, arte- final(algumas firmas) cartazes, faixas, painel de carro alegórico-Ubatuba-S.Paulo e restaurações diversas (porcelana, quadros, madeira, etc.) inclusive para alguns artistas, Casa Rui Barbosa...

Vida de artista não é fácil, mas não entendo a vida sem ARTE. Não há nada mais fascinante que pintar, não é o corpo que trabalha, mas a alma incansável que desperta em cada pincelada! Entendem o que eu quero dizer?

Vencida pela Paixão

2009-09-27T21:52:00.001-03:00

Meu trabalho é composto por um conjunto de obras onde procuro transformar em imagens, situações reais e ilusórias do cotidiano. Anjos sem Asas- Óleo S/Tela -75x60

Quando pego uma tela em branco e começo a pintar, várias etapas foram ultrapassadas, pois nada advém do nada. Em cada tema trabalhado levo um longo tempo estudando a idéia, compondo, pesquisando, até chegar a fase preparatória, onde passo o desenho já pronto para tela, e neste momento então começa surgir os primeiros toques e o tema começa a ganhar vida, onde a realidade e o ilusório se confundem.

A Concha e o Despertar- Acrílico S/tela - 50x60

Esta fase é muito satisfatória, ver que aos poucos aquilo que estava simplesmente numa folha de papel começa a ganhar teatralidade, de uma forma singular, intrigante e absurdamente colorida, pois minhas pinturas possuem vida própria, onde os sentimentos a sensibilidade se fundem e se completam!

Jogo de Gamão - Óleo S/Tela - 18x15

Não sei dizer ao certo quanto tempo levo em um quadro, pois cada um tem sua identidade, e são eles que dizem aos poucos quando estão prontos, tanto que alguns levam anos...
Quando pinto sinto-me realizada. Procuro desenvolver em cada quadro uma história, uma linguagem, uma emoção, na tentativa de transpor a barreira do óbvio, abrindo uma janela para um outro mundo, numa nova visão!

Beleza Oculta - Acrílico S/Tela - 50x50

Meu Universo

2009-09-26T23:16:00.007-03:00

Janelas abertas, muita iluminação, e um mundo de idéias!!!

Este é meu Atelier, onde passo horas pintando...

Sei que as histórias se repetem com muitos artistas, mas no começo de minha carreira, era complicado , pois não tinha lugar certo para pintar, então levava um tempo pra preparar tudo, e quando ia pintar sempre haviam interrupções.

Quando já cansada, não podia deixar tudo como estava, para continuar a dar alguns retoques, pois tinha que guardar tudo, e no dia seguinte começava tudo outra vez... fora o cheiro das tintas que é muito forte, e as reclamações...

Hoje tenho espaço de sobra...rsrsrs...onde posso trabalhar do meu jeito. Um local amplo, arejado,
onde pinto, desenho e faço vários estudos ao mesmo tempo.

Trabalho sempre ao lado da janela que se mantém aberta o tempo inteiro, pois a ventilação é muito importante, fora a claridade natural e o que mais prezo - "a privacidade", que para um artista é fundamental .

Aqui passo horas desenhando...é aqui que eu coloco no papel, todas as minhas idéias, projetos, criações...

Desenhando o layout do Wallarte em nanquim

Atelier - Trabalho -restaurando

Minha lista de links interessantes

2009-09-25T23:18:00.008-03:00

Não deixe de ver, Você irá gostar...

http://www.banzaitattoo.com.br/ - Tatuagem

http://www.fotolog.com/markryden - Pintura

http://www.fotolog.com/djlucyus - DJ Lucyus

http://www.hospitaldasbonecas.com.br/ - Hospital de Bonecas

http://www.linesandcolors.com/ - Arte Pura

http://www.mennabarreto.com.br/ - Pintora

http://www.daligallery.com/ - Salvador Dali e suas pinturas.

Navegando até o Porto.

2009-09-20T19:02:00.009-03:00

Vista da Sé - Porto -

Recebi um selo dizendo: “ este blog, é viciante!”, e fiquei pensando como abriria em meu blog um espaço para agradecer essa escolha, e ao mesmo tempo demonstrar isso de uma forma simples, sincera e pessoal...então vamos lá...

Muitas vezes me pego pensando o que nos diferencia, e tenho a sensação de que ser único, é ser marcante! Por isso vou exercer aqui, “talvez” uma sinceridade “ingênua”, que seria difícil, senão impossível expressar, sem abrir meu coração.

Há um ano atrás, teclando meu computador me vi navegando pelas águas do oceano para terras distantes, e quando me dei conta, estava em Portugal; para ser mais precisa na cidade do “Porto”... onde tive o enorme prazer de conhecer a Donagata do blog “Ponto de Cruz”, onde entrei pela primeira vez, e confesso que lá, pude descobrir que não parei por acaso, ou se foi coincidência, pouco importa, pois se a gente soubesse tudo, creio que os sonhos não seriam tão cifrados, cheios de símbolos e códigos complicados.

Entre uma postagem e outra, descobri a força da palavra e seu poder de criação!
Digo que sua escrita é um diálogo constante entre a inteligência e a sensibilidade de ir na essência das coisas!
As palavras percorrem caminhos variados sem cansar. Ora não dizem, mas revelam, e outras são ditas, mas cheias de mistérios...
Brincando com as palavras, não se limita ao óbvio, sintetiza, analisa e ainda por cima faz poesias e as declama...

Trecho de uma de suas poesias:
- “Será que o amor é suficiente para juntar as penas?
- Será que poderemos ainda voar juntos?”....

Ah! Cristaliza a beleza da alma!
Como é difícil ter que viver palavras, com os mesmos sentimentos contidos nelas!...

Agradeço a sincronicidade e a oportunidade de tê-la conhecido e fazer parte de seu universo!

Infelizmente tenho que escolher somente 10 blogs viciantes, então aí vai:

- http://criatividadeenostalgia.blogspot.com/

- http://flying-low17.blogspot.com/

http://mamyrene.blogspot.com/

- http://fardilhas.blogspot.com/

- http://adelinoreis.blogspot.com/

- http://cardonarte.blogspot.com/

- http://em-prosa-e-verso.blogspot.com/

- http://quintanaeterno.blogspot.com/

- http://amigos-da-porcelana.blogspot.com/

- http://cantinhodalumad.blogspot.com/

Normas: - colocar o selo

- colocar o nome do blog que te indicou.

- 3 objetivos em relação a blogosfera.

- indicar 10 blogs que você considera viciantes.

Já ia me esquecendo de dizer meus 3 objetivos:

- criar um novo espaço em meu blog com novidades

- manter o mesmo entusiasmo para continuar postando

- 3° e último - me manter viciante... Kkkkk!!!!

Até a próxima!

Frida Kahlo (Magdalena Carmem Frida Kahlo Y Calderon)- México 1907/1954.

2009-09-10T13:12:00.008-03:00

Lutar para viver, viver para não morrer, essa foi à trajetória de vida, de uma artista que teve um destino sofrido, feito de perdas irreparáveis, mas que foram amenizadas com a dedicação a pintura, de uma forma tão verdadeira, onde a realidade de sua vida está pintada em cada tela, de uma forma clara, sem que tenhamos que imaginar o que ela quis passar com aquele tema pintado. Pois basta conhecer sua vida, e passamos a ver Frida Kahlo em cada tela. Como se fosse um livro autobiográfico.

Título do quadro: As duas Fridas.

Frida começou praticamente a pintar, quando estava se convalescendo de um acidente que ocorreu, entre a colisão de um bonde e o ônibus, quando seguia da escola para casa, onde ficou gravemente ferida. Isso acontece com várias pessoas que passam por momentos difíceis, e dentro desse baixo padrão vibratório, procura uma forma de ajuda, de bem estar, para compensar, e sentir a necessidade de emergir.
Foi assim que Frida começou a ver na pintura, sua maior forma de expressão, e de repente deixar em suas telas: - suas angústias, deficiências, suas perdas e sua dedicação a política.

Frida teve poliomielite, que a deixou com o pé direito deformado, sofrendo várias cirurgias, tendo que amputar vários dedos. Mais tarde com problemas na coluna, teve que operar 7 vezes, ficando praticamente numa cadeira de rodas. Depois teve que amputar a perna direita até o joelho.
Em uma de suas exposições, teve que comparecer numa cama.
Frieda tentou ser mãe várias vezes, mas não conseguiu.

Frieda foi uma mulher que viveu à frente do seu tempo, onde as diferenças não existiam. Lutou como mulher e por seus direitos. Tornou-se membro do Partido Comunista Mexicano. Atuou como professora na Escola de Arte “La Esmeralda” em 1943, onde procurou passar para outras pessoas, tudo aquilo que sabia, e nos deixou como herança:
- determinação, perseverança e confiança, num ato de amor e fé.

Título do quadro: O Veado Ferido.

Aleijadinho - Antônio Francisco Lisboa (1730/1814

2009-08-29T23:27:00.007-03:00

Entre as montanhas características da cidade, no sobe e desce das ruas, num labirinto de detalhes onde as pessoas se sentem encantadas com a antiga Vila Rica, que com seu silêncio e cheia de mistérios, rica encantadora e surpreendente, se mostra e se esconde ao tempo, revelando aos poucos seus segredos num mundo fantástico e de riqueza artística, onde surgiu e se desenvolveu o Barroquismo Mineiro.

Cidade tombada pela UNESCO – como patrimônio histórico e cultural da humanidade, um conjunto arquitetônico e urbanístico, com seus divinos templos religiosos, edifícios, chafarizes, fontes e ruas estreitas com casarios de época, nos transportam ao século XVIII, e por um instante pode-se ouvir o ruído das carruagens pelas ruas de pedra, o rumor dos mascates vendendo suas mercadorias de porta em porta, os passos apressados dos escravos carregando as cadeiras de arruar, as procissões nos dias de festas religiosas, e como se num leve despertar as luzes das velas se apagam, e a realidade volta e nos deparamos no Museu da Inconfidência... várias coleções de obras de Antonio Francisco Lisboa ali expostas causam profunda impressão! –" O aleijadinho" – conhecido assim, por ter sido acometido por uma doença que aos poucos deformou e inutilizou o artista que não se dava por vencido.
Arrastava-se, usando uma espécie de joelheira de couro, e mandava que amarrassem o martelo e o cinzel as mãos, para continuar a esculpir.

Filho natural do português Manuel Francisco Lisboa, considerado um dos melhores arquitetos de sua época, e de sua escrava – Isabel –
Aleijadinho sabia ler e escrever. Iniciou o aprendizado de desenho, arquitetura e escultura como o pai. Continuou sua formação com João Gomes Batista, da Casa de Fundição de Vila Rica.
Suas obras acham-se distribuídas pelas igrejas de onze cidades mineiras. A maior parte de talha e escultura está em Ouro Preto. Dois de seus mais importantes trabalhos, no entanto se encontram em Congonhas do Campo: - os doze profetas (um conjunto de 12 estátuas em tamanho natural) esculpidas em pedra sabão e os Passos da Paixão, com suas figuras pintadas por Manuel da Costa Ataíde e Francisco Xavier Carneiro, auxiliados por vários entalhadores. Outras esculturas famosas são a Fonte do Padre Faria do Alto da Cruz, em Ouro Preto,( primeiro trabalho em pedra sabão) e as imagens de São Simão Stock e São João da Cruz, realizadas para a igreja da ordem terceira do Carmo, em Sabará.
Executou também as esculturas em pedra sabão no frontispício e na porta desta mesma igreja, e por aí vai...

Nome dos profetas:

- Abdias, Amés, Baruch, Daniel, Ezequiel, Habacuc, Isaías, Jeremias, Joel, Jonas, Naum e Oséias.

Aleijadinho manteve-se ativo até 1812, quando ficou cego e morreu em 1814. Isolado e completamente esquecido por seus contemporâneos. Só foi lembrado depois de meio século, por Rodrigo José Ferreira Bretas, seu 1° biógrafo. E o reconhecimento definitivo só chegou após o movimento modernista em 1922 – que se preocupou com a afirmação dos valores nacionais!
Preconceito? Não sei! O que sei é que Antônio Francisco Lisboa alcançou um nível de criatividade fantástico, e conseguiu passar para suas figuras uma extraordinária expressividade!

MONDRIAN Pieter Cornelis -Pintor Holandês-1872/1944

2009-08-18T14:09:00.008-03:00

Por que será que muitos pais gostam de determinar a profissão de seus filhos? Será que eles sabem realmente o que o outro deseja ser, ou será que os pais querem realizar através dos filhos, os sonhos que não realizaram por motivos que também não sabemos?
Não podemos olhar o outro e vermos dentro dele o “nós”, mas enxergar o outro tal qual ele é!
O pai de Mondrian era professor, e pretendia que o filho o sucedesse no seu ofício, e somente com muita má vontade, admitiu que Mondrian se formasse na técnica de desenho, certo que depois se dedicaria a lecioná-la. Mas ao obter os diplomas que o habilitavam para executar a profissão de desenho, recusou-se e matriculou-se em 1892, na Academia de Belas Artes de Amsterdam, onde realiza suas primeiras exposições e maravilha seus professores pelo rigor de sua disciplina no trabalho. (1° ato)
Para se manter, realizou cópias nos museus e encomendas de desenho industrial.
Como na maioria dos artistas, Mondrian experimentou vários estilos, onde representou paisagens adentrando-se no naturalismo realista (2° ato).

Em 1903, experimentou uma profunda crise espiritual ao entrar em contato com grupos católicos do Brabante, que acabam retratados em seus quadros com toques místicos.
Em 1911, se abre a cortina do seu 3° ato:
- simplifica o seu sobrenome, entra em contato com o cubismo e se estabelece no

Parisiense Montparnasse, onde executa sua série de árvore, na qual persegue a abstração.
Em 1914 uma doença de seu pai o obriga a voltar a seu país natal, onde o surpreende a 1° guerra mundial, e ali teve que ficar.
Em 1917 conhece Theo Van Doesburg com quem funda a revista “De Stijl”, na qual publica vários manifestos.
Em 1919 pode voltar a Paris, onde dá à conhecer seu manifesto a –Neoplastia- exposição de seu ideário estrito. Com rigidez dirige o grupo abstraction-création, que reúne os artistas de vanguarda.

Mondrian rejeitava motivos que se pudesse identificar, ignorou a textura em suas obras, reduziu a pintura a linhas retas, que formavam ângulos retos, usando apenas preto, branco, cinza e as cores primárias. Raramente expõe suas obras, e vendia somente para colecionadores bem informados. Contudo seu nome soou mundialmente nos meios artísticos.
Com a 2° guerra mundial Mondrian, muda-se para Londres, depois fixou-se em Nova York, em 1940.
Durante os últimos anos de vida em seu 4° ato, a paleta de Mondrian se anima, e tomado pela sensibilidade, suas obras encontram um ritmo mais vivo,onde exclui o negro de sua última composição, onde pinta em retângulos, quadrados, a agitação da sua nova pátria, a exuberante vitalidade do jazz e o estrépito das ruas e pessoas.
Seu estilo influenciou a arte comercial e o desenho industrial moderno.

E o que eu posso dizer é que:
- o valor da arte moderna e em especial abstrata, apóia-se quase exclusivamente na arte de compor, e por que não compormos a nossa própria vida?

Obra inacabada-Victory Boogie-woogie-1942/43

Aniversário e memórias.

2009-08-10T14:07:00.010-03:00

Eu e minhas irmãs (sou a menorzinha).

Ser criança é ser você sem máscaras, sem ter noção do que seja interpretar, é como abrir uma caixa e se deparar com todas as coisas que estão lá dentro, sem cobertas, simplesmente nuas, assim como vieram ao mundo...mostrar quem você é ou melhor, aquilo que um dia poderia vir à ser. Brincar sem cansar, correr sem se preocupar em chegar em 1° lugar, sorrir porque se sente feliz, achar que num pezinho de feijão cultivado no algodão, fosse a maior maravilha do mundo, e que prender joaninha numa caixinha de fósforo ela não morreria e se tornaria meu bichinho de estimação!

Ah! O tempo é o chão que anda, e que por vezes fica difícil de alcançar, pois quando se dorme, a vida não para, e por um breve instante, sou capaz de permanecer lá dentro de minha memória e reviver momentos que não gostaria de esquecer, onde as sensações se repetem e o encanto não se perde.

Sinto medo diante do novo! Sei que a vida é um espelho que nos fazem grandes e pequenos, onde não deixamos de sermos nós...e o medo do branco! Mesmo hoje, já uma artista experiente, me vejo as vezes intimidada diante de uma folha de papel ou de uma tela virgem, e me sinto ameaçada!

Dia 14.08.09 meu blog estará completando 1 ano e tenho a mesma sensação de medo do branco, quanta responsabilidade! Aqui estou, diante de vocês, reinventando este espaço!

Esse selo fiz para presentear e agradecer à todos que tem prestigiado o blog _WALLARTE(é pra levar) _ (e deixo aqui uma frase que gosto muito:

- " A função da Arte é abrir portas, e não fechá-las!"

Um grande beijo a todos...e até breve.

Giorgio De Chirico -Italiano 1888/1978

2009-07-29T18:57:00.006-03:00

Será que quando sonhamos saímos da realidade, ou será que a realidade está sempre em nossa vida, até mesmo no sonho?
Sei que não podemos direcionar nossos sonhos quando estamos dormindo, mas acordados...
Dizem que sonhar é preciso, pois senão iríamos enlouquecer com tantas informações... então seria os sonhos uma faxina cerebral? E o que você me diz quando sonhamos acordados?

De Chirico dizia que na vida precisamos de sonhos, mistérios, e foi assim que ficou famoso, como o principal instigador da chamada pintura metafísica – tendência oficialmente criada em 1915, e transformava os objetos cotidianos em elementos de um universo misterioso.
-A respeito de sua arte, o pintor dizia:

- “ experimentamos os movimentos mais inesquecíveis quanto a certos aspectos do mundo, cuja a existência ignoramos completamente, se nos deparam de súbito e nos colocam diante da revelação de mistérios que estiveram o tempo todo ao nosso alcance, mas não podemos ver, porque somos demasiado míopes, nem podemos sentir, porque os nossos sentidos estão inadequadamente desenvolvidos. Suas vozes mortas falam-nos de perto, mas soam como vozes de outro planeta.”

A pintura de De Chirico dirigiu-se a uma outra realidade – metafísica – além da história .
Os cenários projetados pelo pintor permitem flagrar os contornos do novo estilo, que se consolída entre 1917/1920. Os elementos arquitetônicos mobilizados nas composições – colunas, torres, praças, monumentos neoclássicos, chaminés de fábricas, etc. Constroem espaços vazios e misteriosos. As figuras humanas presentes carregam consigo, forte sentimento de solidão, silêncio. São meio homens, meio estátuas, vistos de costas ou longe.

Em suas pinturas se torna impossível de ver os rostos, apenas silhuetas e sombras projetadas pelos corpos e construções.
Nas telas de De Chirico, os objetos parecem não ter sentido, como nossos sonhos que por muitas vezes não conseguimos decifrar, outras vezes são esquecidos em fração de segundos, ficando em nós apenas sensações.

A pintura metafísica encontrada nas obras de De Chirico influenciaram os artistas surrealistas, e apesar de ter sido considerado um precursor, De Chirico, repudiou a sua obra surreal, e a partir de 1925, começou a pintar dentro de um estilo mais tradicional.
- O sonho acabou?

Os três 1°s quadros são da 1° fase - o último mostra sua mudança de estilo -

C O R

2009-07-19T23:55:00.005-03:00

A cor é fundamentalmente cor. É a protagonista da obra pictórica. O que sempre deve se levar em consideração no momento de analisar um afresco, uma tela, uma tábua.
O espectador facilmente se esquece da cor: contempla os objetos pintados, a composição e a linha, a utilização das cores, mas não analisa a cor em si só, a cor como matéria pictórica, que possui qualidades intrínsecas, que o pintor teve que saber utilizar. Esquecem do pintor, como um manipulador da cor.
Durante séculos, os pintores tiveram que moer os pigmentos misturados com aglutinantes apropriados, experimentar com combinações, às vezes com resultados catastróficos: péssimos, no lamentável estado da obra prima de Leonardo - A última Ceia – já deteriorada poucos anos depois de acabada. Por isso o pintor era considerado como um trabalhador manual, um artesão, semelhante ao tecedor.
Atualmente este trabalho prévio de preparação de cor desapareceu. Vendem-se as cores já fabricadas e preparadas para cada uso determinado, seja a óleo, aquarela, afresco, têmpera...Estudam-se cientificamente as qualidades de cada cor, para torná-la estável, segura, resistente a luz. O pintor não deve se preocupar em calibrar as proporções, entre pigmento e aglutinante, da qualidade da trituração do pigmento, de adaptabilidade de cada pigmento a uma técnica determinada: neste sentido o pintor moderno não está em contato tão estreito com sua obra, como pintor medieval, o renascimento, ou o barroco, por exemplo. Estes últimos podiam fabricar suas cores de acordo como o que esperavam obter: saturação, brilho, tom, valor cromático. E ao mesmo tempo, estavam estreitamente condicionados pelo valor material dos pigmentos. Haviam alguns caríssimos como o – ultramarinho – que só podia ser utilizado por quem havia encomendado o quadro, por dispor de meios abundantes, porque , normalmente o cliente que pagava o quadro, também pagava as cores, e ao fazer a encomenda, especificava no contrato, as cores a serem usadas no quadro.

Na natureza o vermelho, amarelo e o azul são as cores de onde todas as outras se originam a partir de suas combinações – são chamadas primárias:
Amarelo + azul = verde
Vermelho + amarelo = laranja - Cores secundárias
Azul + vermelho = roxo.
As combinações de cores primárias formam cores secundárias, que combinadas com cores secundárias formam cores terciárias e assim por diante.
A cor branca resulta da sobreposição de todas as cores (presença de todas as cores), enquanto o preto é a ausência de todas as cores (ausência de luz).
Rubens pintava com 4 ou 5 cores no máximo. Ticiano pintava com uma gama ainda mais restrita - dizia que se pode ser um grande pintor, utilizando apenas 3 cores.
Verdade seja dita, não é cômodo pintar sempre como norma apenas com 3 cores primárias. Não é prático andar procurando, por exemplo, um ocre, misturando azul, carmim e amarelo, quando já existe a cor ocre em tubo, pronta para ser usada, e com a possibilidade de ser misturada diretamente com branco, azul, carmim, para encontrar rápida e facilmente, o matiz exato do modelo. Mas na dúvida de que essa procura, esse esforço para obter todas as cores a partir das três cores primárias é extraordinariamente válida do ponto de vista da formação, proporcionando prático e profundo da mescla e obtenção de tons, matizes e cores, faz compreender uma norma básica fundamental, para ver e captar as cores do modelo.
A cor da pele e a cor da terra, a cor do céu azul, a cor das folhas verdes e das flores vermelhas. Nenhumas dessas cores aparentemente concretas podem ser
obtidas sem a intervenção para mais ou para menos das cores primárias.
-

Olha para sua mão, observe a cor da pele. Em princípio, essa cor compõe-se de vermelho e amarelo misturando com branco. Ah, mas sem o azul obterá apenas o laranja claro, ou um creme claro, apropriado apenas para determinados toques, para pintar alguns pontos talvez mais iluminados, mas que de maneira alguma corresponde a cor geral da mão; se a cor de sua mão for bronzeada precisa de mais azul, se for branca, de menos, mas sempre precisará de azul, vermelho e amarelo. Um céu exige um pouco de carmim e de amarelo para alcançar um azul mais profundo, menos estridente, mais real. Nas flores vermelhas há amarelo, nas luzes e reflexos – e há azul nas sombras e penumbras.
Bom, agora tenho que fechar o pc, pois as cores estão tomando conta dos meus olhos e da minha alma, pois acabei de ter novas idéias para pintar um novo quadro! Tchau...

Tarsila do Amaral - Brasileira -São Paulo -1886/1973

2009-07-08T13:29:00.005-03:00

Auto-retrato 1923

Viver numa procura eterna de si mesma, caminhar por estradas até então nunca andadas, poder escutar a voz que vem de dentro, como canto dos pássaros que são criaturas de Deus, e se descobrir por inteira. Onde a criação se faz presente...e assim nasce Tarsila do Amaral!
Veio de família de posses, pois seu pai herdou apreciável fortuna e diversas fazendas, na qual Tarsila passou a infância e a adolescência.

Tarsila soube aproveitar muito bem a vida tranquila que teve em questões econômicas. Estudou no Sion em São Paulo, e completou os seus estudos em Barcelona na Espanha, onde pinta seu primeiro quadro: “Sagrado Coração de Jesus”, aos 16 anos. E a partir daí, começou a estabelecer uma ligação direta com o mundo das artes.

Casa-se em 1906, com André Teixeira Pinto, onde nasce sua única filha – Dulce.
Mas separa-se e começa a estudar escultura em São Paulo e posteriormente estuda desenho e pintura com Pedro Alexandrino. Mas Tarsila possuía uma alma que tinha sede de conhecimento, e não parou por aí.

Embarcou para a Europa com o objetivo de ingressar na Academie Julian em Paris. Frequenta o atelier de Emile Renard.
Em 1922 teve uma tela admitida no salão oficial dos artistas franceses. Nesse mesmo ano regressa ao Brasil e se integra com os intelectuais do grupo modernistas. Faz parte do grupo dos “cinco”- juntamente com Anita Malfatti, Oswald de Andrade, Mário de Andrade, e Menotti Del Picchia.

Tarsila nessa época começou a namorar o escritor Oswald de Andrade que depois mais tarde acabaram-se casando.
Volta a Europa em 1923 e lá tem contato com os modernistas que se encontravam: intelectuais, pintores, músicos e poetas.
Estuda com Albert Gleizes e Fernand Léger , grandes mestres cubistas. Com isso Tarsila vai compondo suas idéias formando seu estilo dotado de cores e temas tipicamente brasileiro.

Em 1928 pinta o “Abaporu”, para dar de presente a Oswald de Andrade, que se empolga com a tela e cria o movimento – Antropofágico – e em 1929 faz sua primeira exposição de pintura no Brasil.

Tarsila retratou em suas telas, o povo brasileiro dentro de

um estilo todo seu. Em suas figuras deformes e suas cores predominando o verde e o amarelo, de certa forma com o leve tom genuíno, mas com muita força de expressão, atravessando salões, bienais e nossos corações!

Abaporu - 1928

Michael Jackson - O eterno menino estrela!

2009-06-29T19:27:00.003-03:00

Nunca teve tempo de ter uma vida “normal”, subiu aos palcos e dali nunca mais desceu. Virou estrela que brilhará para sempre, mesmo que muitos não aceitem; mas verdade seja dita, Michael Jackson, é um artista único, completo e sublime da música pop, que não só cantava, mas representava cada canção que saía de sua alma, onde seu corpo leve e solto se movimentava em ritmos que deslizavam sobre o palco de forma singular e contagiante!

Sua voz doce, limpa e maviosa desde menino, onde não fazia esforço, saía naturalmente como um canto de um pássaro (bichinho pequeno) que alcança notas altas de uma forma bela, e que logo vem a nossa cabeça: - “Deus existe”!
Michael foi acusado, mas não foi abandonado por seus fãs...vivemos num mundo de “adultos”, difícil de ser compreendido:
-se dizem que uma pessoa é santa, tem que provar,
-se dizem que uma pessoa fez uma coisa ruim, imediatamente “todos acreditam”!
Por que será que o ser humano se acha com direito de julgar alguém?
- Não acredito que alguém cometa um crime e seja absolvido pagando uma grande quantia em dinheiro...dói ser acusado, condenado, sem ter direito de defesa.
Crescer ou permanecer menino?

Voltar ao tempo e mudar a sua história, viver uma vida “normal”, ser criança de “verdade”, não ter preocupações de “adultos”...
Michael Jackson criou um mundo encantado onde os únicos personagens eram crianças que transformavam seu parque de diversão num grande mundo de sonhos, um planeta azul, onde ali, era realmente feliz...brincava com os iguais, sem receber advertência, sem chantagens, sem julgamento, mas sendo apenas mais um menino “comum”, nesse reino encantado!

Essa postagem é uma homenagem a esse ícone da música pop, e por ter feito parte da minha geração!

Até a próxima...

Velásquez e suas Meninas

2009-06-16T18:20:00.018-03:00

Seria a arte um signo, um objeto, algo que nos sugere a realidade do espírito, ou seria uma maneira de refletir sobre a vida ? Talvez seja uma mistura de tudo isso, nos levando a um profundo viajar dentro e fora de nós. Abrir janelas até então nunca abertas, permitir que nossos olhos vejam e enxerguem muito além do superficial e quem sabe assim deixar nossa compreensão se fazer presente, aceitando plenamente nossos limites e nos descobrindo por inteiro.
Velásquez é um testemunho desta reflexão, um pintor que em sua nobre existência, indagou e viveu todos os mistérios que envolvem o homem e o mundo, e através de suas pinturas eternizou a realidade da vida.
Velásquez veio testemunhar a luz, essa mesma luz que vem da essência de cada um de nós. Representante autêntico da fotografia da “alma humana”.
O que pinta Velásquez no quadro?
_ Pinta...o que está pintado! Pinta o que o espectador vê! _ pinta – “AS MENINAS”!
_ No centro Velásquez pintando diante de um bastidor. O acompanham a infanta, suas damas e protetores, seus bufões; ao fundo o espelho a imagem dos reis, e a porta aberta por onde penetra a luz. Em primeiro plano um grande mastim (cão de guarda). A vida e a luz, no centro seu pintor. _ "Eu sou eu, e minha circunstância” diz Velásquez.
O exterior é rigoroso interior. Onde está o quadro? O espectador sente-se tentado a entrar na escura estância, a ultrapassar essa porta aberta, por onde se aproxima a luz. Pelo quadro saímos da caverna de Platão, para o mágico país além da vida e da morte.
O real para Velásquez começa na arte. Esse quadro vale por toda uma biblioteca: _é história palpitante!
Essa pintura é o autêntico retrato do seu autor. Pela magia da arte, o instante fugaz fêz-se eterno, converteu-se em um livro e resumo de sua vida e época.
Recebi uma encomenda de escolher uma das meninas e trabalhar em cubismo. Essa tarefa
foi cumprida em sete quadros, em desenho a nanquim.

Talvez uns estejam a pensar: por que ela escolheu essa menina? Não sei... rsrsrs...

foi a que mais me chamou atenção e pude trabalhar como eu gosto, com liberdade

e uma infinidade de detalhes, que me rendeu uma exposição; a qual coloquei como título:

_“As Meninas de Velásquez”.

Agora tenho que ir, mas voltarei em breve!

VELÁSQUEZ ( Diego Rodriguez de Silva y Velásquez ) - Espanhol - 1599/1660

2009-06-06T00:04:00.009-03:00

Infanta Margarita - 1654

A arte é uma forma de expressão, onde cada artista deixa sua marca, e hoje quero falar sobre Velásquez, pintor barroco, cuja pintura se define em uma grandeza de detalhes e de uma perfeição quase fotográfica.

Sua família percebeu sua vocação, e ainda jovem Velásquez foi levado para estudar com Francisco Pacheco que ensinou o estilo do artista Caravaggio, onde suas características principais estão no realismo, tratamento de uma luz sombria e de tons escuros.

A personalidade do seu mestre Pacheco, era tida como um pintor medíocre, mas teórico interessante, e sendo assim forneceu a Velásquez uma sólida formação técnica, e acesso a um meio que revelou-se valioso para sua profissão. Pacheco encarregou Velásquez, em sua primeira viagem a Madrid, de encontrar Luís de Góngora, o poeta, e de fazer seu retrato. Durante a viagem na companhia do poeta Francisco de Rioja - membro da Academia Sevilhana de Pacheco foi apresentado a Gaspar de Guzmán, conde-duque de Olivares, também Sevilhano. A partir daí

Velásquez tem acesso as coleções reais.
Em 1623, um ano depois da morte de Rodrigo Villandrano, um dos cinco pintores do rei, Felipe IV, encomenda a Velásquez seu retrato, e o nomeia “ pintor real”.

Velásquez era um artista que buscava no estudo a perfeição. Em 1629, foi a Itália onde estudou a arte da antiga Roma e aperfeiçoou sua técnica de pintar nus. E quando retornou a Espanha colocou em prática tudo que aprendeu. Produziu uma série de retratos como a
Rendição de Breda (1634), que dizem ser uma das mais belas pinturas históricas do mundo!

Em seus feitos, temos o retrato do Papa Inocêncio X, também paisagens, e Vênus no Espelho, o único nu feminino, que lhe é atribuído.
Em suas pinturas encontramos riqueza e brilho, até então nunca vistos. Buscava mostrar os detalhes de cada modelo. Sendo que seu diferencial era não prender-se apenas ao cômico ou ao grotesco dos personagens, retratando todos respeitosamente e destacando a individualidade de cada um !

Aqui termino a minha postagem com o quadro – ‘As Meninas ‘ – que para mim Velásquez foi divino, pois nesta obra ele utilizou sua iluminação característica, riqueza de cores, traduziu um auto-retrato, e sua técnica de quadro dentro do quadro, em perfeito realismo!

Na minha próxima postagem vou expor sete quadros meus, onde peguei uma das meninas (a que está dentro do circulo vermelho) e trabalhei em cubismo – até lá.

Paul Cézanne - francês - 1839/1906

2009-05-30T00:16:00.009-03:00

Natureza morta - Maçãs e Laranjas

" Quando eu preciso julgar uma arte, eu levo minhas pinturas e as deixo próximas a um objeto feito por Deus, como uma árvore ou uma flor. Se os dois lados combatem, elas não são artes."

Como é difícil a vida de um artista, onde se dedica tanto em vida e recebe tão pouco. É como se as pinturas fossem transparentes aos olhos humanos, e os corações fechados para receber o novo, o inexplicável, o que vem de não sei de onde, e é representado através de cores, formas, texturas... caminhar por estradas escuras, ser visto como um ser estranho, procurando isolamento por não compreendido...assim foi a vida de Paul Cézanne...que mesmo contrariado pela vontade do pai, começou a estudar direito na Universidade de Aix, e foi trabalhar no banco do pai e retomou os estudos na escola de desenho, arranja um estúdio no Jas de Boufan em 1862. Deixa o banco do pai e abandona a carreira jurídica.

Volta para Paris com uma pensão mensal de seu pai.
Em 1863, trabalha regularmente na Academia Suíça, onde encontra: Pissarro, Renoir, e Sisley. Foi reprovado na Escola de Belas Artes, já que tinha um temperamento de um colorista.

Cézanne, foi várias vezes recusado no salão da Academia de Belas Artes, onde suas pinturas eram rejeitadas, pois eram impressionistas e assim consideradas revolucionárias.

Todas essas “derrotas” causaram em Cézanne desânimo, fúria e depressão.
Seus primeiros trabalhos se preocupavam muito com a figura na paisagem, e compunham várias pinturas de grupos grandes e pesados no ambiente, que eram pintadas da imaginação.
Mais tarde passou a se interessar em trabalhar com observação direta e gradualmente desenvolveu um estilo de pintura mais leve e aéreo, que passaria a influenciar em muitos os pintores impressionistas.
Em toda a sua vida, se esforçou em desenvolver uma observação autêntica do mundo visto através do método mais preciso que soubesse para poder representá-lo. Para isso ordenava tudo o que queria em formas e planos de cor simples.

Cézanne afirmou que: (Eu quero tornar do impressionismo algo sólido e duradouro, assim como a arte nos museus), e assim a sua contensão de que estava recriando a “natureza morta de Poussin” deixa o seu desejo de unir a natureza com a permanência da composição clássica.
Cézanne trabalha em suas pinturas como um louco, a fim de obter fama e reconhecimento, mas muitas vezes sofreu rejeição,

constrangimentos, medos e por ser uma pessoa sensível e romântica não suportou conviver com tanta ignorância, e procurou se isolar em busca de mais tempo e tranquilidade e nenhuma interferência.

Cézanne não suportava as leis da perspectiva. A sua concepção era arquitetônica. O seu estilo consistia em ver a natureza segundo as suas formas fundamentais: a esfera, o cilindro e o cone. Cézanne se preocupava mais pela adaptação dessas formas, que pela representação do ambiente atmosférico.
Este cultivava sobre tudo, a paisagem e a representação das naturezas mortas, mas também pintou figuras humanas em grupos e retratos.

Antes de começar as suas paisagens estudava e analisava seus valores plásticos reduzindo-as depois a diferentes volumes e planos que traçavam a base de pinceladas. Árvores, casas, e demais elementos da paisagem subordinavam-se a unidade de composição. As suas paisagens são sutilmente geométricas.
Enfim, a vida de Cézanne e suas pesquisas foram amenizadas, pela herança deixada por seu pai, dando-lhe sustento e um pouco de tranquilidade para trabalhar, e com isso criou uma das áreas mais revolucionárias da arte do século XX, e o responsável pelo advento do Cubismo, inspirando: Picasso, Braque, Gris e outros, que passaram a experimentar múltiplas visões e complexas de um mesmo objeto, e eventualmente a fratura da forma, para compor suas descobertas.

Cézanne foi pego por uma tempestade enquanto trabalhava em campo aberto e após pintar durante duas horas debaixo da chuva, é que decidiu ir para casa, onde veio a falecer por uma grave pneumonia.
Seu local de trabalho se tornou um monumento, “o Atelier Paul Cézanne”.

Bonecas de Porcelana

2009-05-19T00:29:00.008-03:00

As bonecas de biscuit, principalmente as produzidas desde meados do século XIX, até a década de 1930, são cultuadas por colecionadores do mundo todo. França, Alemanha, concentravam as grandes fábricas nesse período. Na Alemanha, destacavam-se Simon & Halbig, Kestner, Gebrüder, Heubach e Kammer & Reinhardt, entre outras. Na França os principais nomes eram Jumeau, BRU, Steiner e Gaultier. Normalmente as marcas, desses fabricantes vinham gravadas na nuca das bonecas.
Por sua versatilidade o biscuit tornou-se o material preferível para a confecção dessas peças. Feito da mesma substância da porcelana era mais maleável, sendo possível executar uma enorme variedade de desenhos representando figuras de mulheres, meninas, bebês, homens, meninos, ora utilizado para produzir bonecas inteiras, ora na confecção da cabeça e colo, ou só a cabeça, com o corpo de diferentes materiais, apenas nos anos de 1940 é que o biscuit passou a ser substituído pelo celulóide na fabricação de bonecas.
Basicamente, há três tipos de bonecas de biscuit, os bebês, as francesas “fashion ladies” ou “fashion dolls”, que nada mais são que adultos em miniaturas; e as bonecas estilizadas, as que possuem trajes típicos ou caracterizando algum personagem. Com imagem de mulher e vestidos longos a “fashion ladies”, costumam ser mais valorizadas. A qualidade, riqueza dos detalhes, e trajes de luxo, réplicas exatas da época no momento são as suas principais características. Os bebês por sua vez são muito populares entre os colecionadores. E os mais antigos ostentam preços que cabem em qualquer orçamento. Com fisionomia tristonha, sorrindo ou com cara de sono, reinaram absolutos entre 1860 a 1890, principalmente os das marcas francesas.
A razão que levou a Alemanha ser líder no mercado mundial de bonecas estilizadas foi à enorme variedade de modelos produzidos, e os preços competitivos.
As cidades de Waltershausen e Sonneberg eram os principais centros de fabricação, que vieram a desaparecer devido a recessão econômica vivida no período de entreguerras, durante a 2ª guerra mundial, e com o aparecimento de peças sintéticas e mais baratas.
Mais do que saudoso brinquedo, as bonecas antigas de biscuit atraem colecionadores no mundo inteiro. Produzidas inicialmente na França e Alemanha, na 2ª metade do século XIX, logo capturaram o coração das meninas na época. O fato é que atualmente elas fazem parte de um universo mágico, que encanta não só as crianças, como adultos principalmente.Os Brinquedos têm sido considerados como objetos de sedução, desde as civilizações mais primitivas. Na medida em que aumentavam a sua popularidade, surgiam cada vez mais sofisticados e originais, atingindo um de seus grandes momentos no século XX. Ainda hoje seguem exercendo enorme atração, e as peças tidas como “antiguidades” alcançam preços elevados no mercado

Falar de infância é não só ler o livro
“Alice no País das Maravilhas”, mas se transportar para dentro dele, e deixar que os pensamentos vagueiem por um pequeno espaço de tempo, mas que através dos sonhos parece uma eternidade essa passagem do tempo, pois a dimensão é outra... como agora que estou de férias com minha irmã mais velha em Teresópolis, na casa dos patrões do meu pai(Alemães), bem pequena, e como toda a criança tudo me encantava, tudo tinha sabor de alegria, encantamento!
Brincava o dia inteiro, e nunca vou me esquecer de que numa tarde daquelas, a filha deles me levou para conhecer o quarto das bonecas. Quando cheguei lá, eu não sabia o que via primeiro, pois era como definir hoje: um mundo encantado! Imaginem vocês um quarto só de bonecas, e de todos os tipos e países e um guarda roupa de bonecas, como se fosse de "gente de verdade" !

Ali passei um bom tempo brincando, não sei definir quanto, pois criança não tem noção de tempo nem de espaço, só sei dizer que haviam bonecas jamais vistas por aqueles dois olhinhos meigos, cor de mel... mas lá no cantinho do quarto uma boneca me chamou atenção, pois quando a peguei pude ver acima de sua cabeça, uma coisa roliça, que conforme rodava ia mudando o rostinho dela, que ora sorria, ora chorava, ora dormia...quando de repente escuto alguém me chamar, e num estalo de tempo, percorri rapidamente o caminho inverso, passando pela mesma porta, a qual eu entrei ,voltando de um tempo que está dentro da menina que mora num cantinho dentro de mim e que de vez em quando passeia pelas minhas memórias!

Obs: (vc encontrará nos meus links do lado direito do blog o site -Hospital de Bonecas )

Mulher Grávida - Waleria Lima - Esculpida em 1992

2009-05-09T00:05:00.019-03:00

Quando peguei a pedra sabão, vi nela aquilo que queria fazer, como se visse a escultura pronta, antes mesmo de ser esculpida.

Fiz essa escultura na intenção de representar a mulher e seu poder de criação. A vida sendo gerada e multiplicada, num gesto espontâneo e divino!

Escultura em pedra sabão -Mulher Grávida - Exposta em 1992 - Casa do Estudante RJ

Renoir - Pierre Auguste Renoir - Francês-1841-1919

2009-04-28T00:22:00.007-03:00

Madame Georges Charpentier e suas filhas - 1878-

No atelier repleto de cavaletes, telas, bastidores, tintas, Renoir examina atentamente as telas para escolher a mais sólida e pesada; leva para a enorme janela que ilumina o ambiente, ao abrir-se para os telhados de Paris...e quando a beleza se instala, nossos olhos se abrem para recebê-las...e foi assim que o extraordinário pintor de paisagens e figuras humanas, o francês Renoir iniciou sua atividade em Paris, decorando porcelanas, tecidos e leques. Esse trabalho deu-lhe uma experiência que foi de indiscutível valor em toda a sua carreira .
Cursou a Escola de Belas Artes de Paris, fez amizade com Monet e Sisley, trabalhou muito ao ar livre. Só começou a despertar atenção porém quando expôs, no atelier do fotógrafo e jornalista Nadar, o quadro intitulado (O Palco) onde o branco e o preto se destacam sobre o rosa das flores.
A partir daí modifica, o modo de pintar, e de compor seus nus, seguindo ritmos, mais estudados, não apenas ditado pelo instinto, mas baseado na pesquisa do equilíbrio da forma e da cor.
Renoir destacou-se justamente pela maneira muito pessoal de ver o mundo e de pintar a figura humana, sobretudo a figura feminina. Mulheres de contornos macios, suaves, arredondadas é o modo como o artista “vê” esse modelo.
Depois as tonalidades escolhidas e com tintas estendidas sobre as superfícies brilhantes e transparentes, ao contrário dos demais pintores, que costumavam a usar cores opacas e empastadas.
Por último, a utilização de espaços abertos, como fundo, que realça as figuras e contribui com seus reflexos e claros-escuros para o resultado cromático do conjunto.
Pela sua maneira de pintar, Renoir insere-se na tradição impressionista, que procura, na fragmentação das pinceladas e na aproximação das tintas, a decomposição da luz, exploração, principalmente a composição de cores complementares.
Pintou: paisagens, composições com figuras humanas tomadas do dia a dia, retratos e também algumas naturezas mortas, mas fez do nu ao ar livre um de seus temas prediletos.
Renoir foi um dos primeiros a explorar o contraste entre tonalidades quentes e frias, usando frequentemente a aproximação dos azuis e com o rosa, o creme, o ocre e as terras. É exatamente no contraste com o azul que o ocre pálido, a cor da carne, parece adquirir tonalidade rosa e torna-se mais luminoso e transparente.
Depois de suas experiências na Itália, onde conheceu a grande pintura de Rafael e Ticiano (renascentistas italianos), Renoir alterou sua técnica de desenhar compor e pintar.
Passou a usar figurar mais sólidas, mais compactas, menos desfeitas pela decomposição da luz, abandonando aos poucos a maneira impressionista de aplicar as tintas em pequenas pinceladas, passando a usar o método tradicional de espalhá-las em camadas.
Por volta de 1900 o artista começou a sofrer fortes dores reumáticas que o deixaram praticamente inválido mas que jamais o impediram de pintar e desenhar, nem mesmo quando a doença lhe atingiu as mãos. Com dificuldade para segurar os pincéis, amarrava-os em suas mãos. Começou também a esculpir na esperança de poder expressar seu espírito criativo através da modelagem, mas até para isso contou com a ajuda de Richard Gieino e Louis Morel, que trabalhavam seguindo suas instruções.
Renoir concentrou-se em criar suas próprias e novas técnicas, aproveitando todo o seu aprendizado, combinando o que tinha aprendido sobre cor durante o seu período impressionista, com métodos tradicionais da tinta, resultando em uma série de obras primas.

Picasso (Pablo Ruiz y Picasso - l881/1973

2009-04-17T23:21:00.011-03:00

( Les Demoiselles d'Avignon - 1907)

Pensamento de Pablo Ruiz Picasso:

"Em si mesmas as coisas não existem. Só existem através de nós!"

Guernica - 1937 -

Estar a frente do tempo é navegar em alto mar, e se sentir tranquilo por enxergar além da altura das águas...saber que a vida transcorre em várias fases, como foi a vida de Pablo Ruiz Picasso, hoje considerado, um dos maiores gênios da pintura, onde aprendeu a fazer os primeiros traços com o seu pai, que era professor de desenho.
Estudou por pouco tempo na Academia de Belas Artes de Barcelona e logo no início do Século XX mudou-se para Paris, onde instalou-se no famoso BATEAU-LAVOIR (barco-lavanderia), um velho casarão situado no bairro de Montmartre, a partir daí o novo centro da arte e da literatura vanguardista.

Picasso produziu grande parte de sua obra inicialmente influenciada pelos impressionistas e Toulouse-Lautrec, principalmente nas cenas de cafés e zonas boêmias da cidade.
Em seus períodos: - azul (1901-1905-melancólico) e rosa (1905-1907-mais alegre), o aspecto sentimental e naturalista predominavam em suas obras, onde pobres, doentes, mendigos, prostitutas e saltimbancos apareciam em suas telas.
Em 1907- Picasso apresenta uma obra surpreendente: Lês Demoiselles d’Avignon-revelando influência da arte negra e formas muito livres, o quadro representou de fato, um decisivo rumo ao cubismo, a maior revolução plástica depois da renascença. Liderando o movimento ao lado de Braque (pintor francês).

Picasso-vestido de arlequim-1924

Picasso reduziu a cor em tons ocres e cinzentos, além de decompor e abordar a imagem, segundo vários ângulos de visão.
Essa autonomia pictórica abriu um novo espaço dentro da pintura, onde foi permitido usar sobre a tela novos materiais como: papel colorido, pedaços de jornal, tecido encerado, letras, números etc., nascendo assim a técnica da colagem e do papier collé .

Além da pintura Picasso adotou todas as formas de expressão, entre as quais: escultura, cerâmica, desenho e também política, onde o levou a criar o seu quadro mais famoso:”Guernica”- sendo um protesto contra o bombardeio de nazistas e fascistas (Hitler, Mussolini e Franco) sobre Guernica (pequena cidade do norte da Espanha).

Picasso viveu intensamente a vida, e em cada momento vivido buscava colocar isso em suas obras; ora eram melancólicas , outras alegres , deformadas, figuras não convencionais, violentamente expressivas,

multiformes, empregando e inventando uma

variedade de estilos, como nenhum outro artista havia inventado antes.
Dedicou-se a tantos ofícios com grande entusiasmo e em qualquer veículo que se expressava, sempre foi imensamente brilhante. Picasso mostrou que um artista não pode ser uma cópia nem uma ilustração do mundo real, mas um acréscimo novo e autônomo!

Toulouse - Lautrec (1864/1901)

2009-04-07T13:39:00.008-03:00

Salon in Rue Des Moulins - Henri Marie Raymond de Toulouse Lautrec Monfa.

Desceu das alturas para misturar-se ao povo mais baixo, obrigando a arte também a descer o pedestal dos museus e mansões, para derramar-se pelas ruas.

Procurou fazer parte do mundo que ele retratava em seus quadros. Vivenciou o submundo, centro de atração da secreta sociedade do prazer, instalou-se em um prostíbulo de luxo -Montmartre -.

Sua obra não é problema, mas mistério inesgotável, como a própria vida. Uma maravilhosa fonte de conhecimento e de vivência, além do bem e do mal.

Indagou o rosto humano, procurando sua verdade. Procurou inconscientemente através de sua pintura um alimento que servisse como cura para seu espírito...numa busca infinita de si mesmo, para compreender suas limitações e angústias, diante da vida.

Toulouse teve duas quedas o qual o deixou com as duas pernas atrofiadas, e não suportou ter que conviver com sua figura deformada, sendo chamado de " anão bufão", o pintor das verdades amargas.

Entre a solidão e a marginalidade, recorreu ao álcool, buscando o tempo inteiro na intimidade dos outros, "talvez", uma inspiração para retratar sua própria imagem e refletir sobre a vida, deixando transparecer um pouco de sua secreta ternura!

Restauração e Antiguidade - Continuação.

2009-03-31T15:46:00.009-03:00

Bom, hoje estou voltando depois de um descanso merecido...pois a vida de artista não é tão "fácil"como muita gente pensa...mas vamos retornar a nossa viagem ao mundo encantado da restauração!

Os vernizes à base de laca atraem alguns insetos, que põem seus ovos sobre a tela, e ficam pontinhos mais escuros, com uma borda mais clara, sobre o quadro. E se olharmos contra a luz veremos que ali vamos encontrar um furinho. Com o tempo esse furo vai aumentando e perdemos muito do quadro.

O verniz com o tempo vai modificando a cor da pintura, pois vai ficando amarelado, alterando a tonalidade das cores, como:

- branco - fica amarelado

- azul - fica esverdeado.

Outros dizem que o verniz protege a superfície pintada, do pó, sujeira e poluentes no ar (já que o verniz a óleo pode ser lavado com água, sem qualquer perigo). Abrilhantar, realçar as cores que por terem sido diluídas com excesso de aguarrás, tinham ficado sem brilho, unificando o realce e o brilho de todas as cores do quadro.

Muitos artistas desprezam o envernizado, e eu estou aqui, pois o maior inconveniente do verniz, está na sua principal qualidade, " no brilho", que muitas vezes atrapalha a correta visão do quadro.

Quando restauramos uma tela não podemos interferir e nem adicionar nada, a não ser quando autorizado.

O procedimento básico de toda restauração, é retirar a tela dos chassis (aquela parte de madeira que prende a tela). Depois temos que fazer o teste de solubilidade da tinta, para saber ao certo que tipo de solvente usaremos, pois toda tinta tem um ponto em que ela se desfaz, vira líquido, então o uso inadequado é fatal. -

Ex: quando passamos acetona no esmalte das unhas ele vira líquido, e sai no algodão.

Quanto mais antiga a pintura, se dissolve com os solventes mais fortes. Para uma simples limpeza ou conservação, usamos o mais fraco. E temos também que saber como a pintura foi feita.

Temos diversos solventes para usarmos nas telas, que vão desde querosene, até éter e acetonas.

Fazemos o teste do solvente sempre num cantinho da tela, pois corremos o risco de dissolver toda a pintura e ...cada caso é um caso.

Para conservar uma pintura com mais de 30 anos, temos que restituir a elasticidade original da tinta. Trabalharemos com solvente fraco e repetiremos o processo por vários dias, e até meses para que a tinta volte ao normal.

Quando a tela já sofreu restauração e por sinal "mal feita", tiramos um raio x da tela, para saber o 1° passo do autor, e restituir sua pintura original. E se soubermos o desenho original, será retirado somente a pintura recente, e o material novo, posto sobre a tela original. Então usaremos solventes fracos para esse serviço, e iremos descobrindo aos poucos, a pintura original da tela, e devolvendo sua verdadeira identidade.

No caso de descolamento de pintura, rasgos, ressecamento, teremos que fazer uma reentelagem.

Fazemos então uma liga a base de cera de abelha, e outros elementos, para que possamos colar a pintura original num novo tecido, que tem que ter a mesma qualidade do antigo, para não sofrer rejeição de material, ou resistência.

Para fazer essa reentelagem, temos que trabalhar numa superfície plana de madeira, onde forramos com bastante papel(jornal) embebecido em solvente. Colocamos a tela já retirada dos chassis, com a face pintada voltada para baixo, e pregamos com tachinhas o novo tecido, bem esticado sobre a madeira. Jogamos a solução de cera(aquecida sobre o tecido) e passamos com ferro de passar roupa, em temperatura morna, para que a cera da superfície penetre na tela original.

Deixamos esfriar, e retiramos as tachas e viramos a tela.

Esse serviço, tem que ser muito bem feito, pois não se pode deixar criar bolhas de ar, e nem deixar a temperatura do ferro queimar a pintura.

Feito isso, retiramos o excesso de cera, e deixamos a tela por um tempo, para que possamos trabalhar nela. Teremos de limpá-la e talvez dar alguns pequenos retoques.

Se houver rasgos, podemos usar massa de pintura para suavizá-las e retocar por cima.

Para os retoques temos que usar a mesma tinta original e nunca usar betume para tentar envelhecer a pintura, pois essa é a maior causa do escurecimento da pintura e sujeira...e quando retocamos com perfeição,(a parte danificada) temos nítida impressão que toda a tela foi pintada naquele momento e que nada ali foi mexido.

Ressalvo que todos os retoques só poderão ser feitos com o consentimento do dono do quadro.

Lógico que existem métodos bem mais sofisticados, como câmaras fotográficas tridimensionais ligadas a sofwares especializados, limpeza à laser( como no Museu de Versailles), mas são recursos muito caros...mas para mim o que conta, é o resultado final, e restaurar com perfeição é devolver ao dono, seu "objeto" por inteiro, respeitando acima de tudo um trabalho feito por outra pessoa e que merece respeito.

Espero ter conseguido nessas duas postagens, mostrar um pouquinho desse mundo tão fascinante, e tão vasto, que é a - RESTAURAÇÃO-

Até breve!

Restauração e Antiguidades

2009-03-22T16:19:00.014-03:00

O restauro é uma atividade tão interessante, como desconhecido.

Apesar de existir, uma grande curiosidade por esta sabedoria

artesanal de restaurar, carregada do saber dos ofícios antigos,

tem sido sempre difícil observar de perto o trabalho minucioso e

paciente dos profissionais.

Sempre tive fascínio por esse assunto, tanto que fui trabalhar

justamente neste setor - Restauração e Antiguidades -

Minha curiosidade e o poder de transformação sempre andaram

juntos, como o meu desejo de trabalhar com objetos antigos

(ou simplesmente velhos), quebrados, sujos ou com algum defeito,

sempre me encantaram.

Objetos de valor artístico - antigo/antiguidade, ou objetos

de pouco valor, mas agradável, e decorativo, que evoquem

recordações pessoais ou familiares. Então teríamos o valor da

peça e o valor estimativo, que é abrangente.

É uma pena saber que esse amor pelas coisas antigas, não está

sendo cultuado e valorizado nos dias de hoje, onde vivemos o

momento do descartável!

Quantas vezes ouvi das pessoas que iam levar suas peças para

restaurar, que já se viam entristecidas, em saber que seus bens,

seriam simplesmente desfeitos , como coisa velha, sem valor

nenhum. Eu posso dizer, que restaurar é uma arte, uma

satisfação enorme, pois você recebe em suas mãos uma peça

toda quebrada, e em poucos dias

ela está recuperada, sem nenhum vestígio aonde foi mexida...

nos dá um enorme prazer. Posso dizer que é um trabalho

feito com o coração, pois do contrário, não valeria a pena.

Para trabalhar com restauração requer muita paciência,

determinação e sabedoria, pois são várias fases, e a minha

é uma das últimas, pois trabalho na parte da pintura.

Nessa parte, você tem que ter noções de pintura, e saber quais

as cores que foram usadas naquela área que

será restaurada, pois geralmente não são cores puras.

A tinta usada na restauração é mais diluída, pois a peça que foi

restaurada não irá mais ao forno.

Todos os detalhes tem que constar na peça, até a marcação de

reconhecimento, ( principalmente aquelas que vão a leilão),

assinatura,craqueller, frisos, etc...e somente será retocado a

parte que foi restaurada, nada mais. São vários tipos de peças,

e de todos os tamanhos, como: imagens de santos, oratórios,

esculturas (diversas - até de cemitério), telas, biskuit e

em vários materiais, como: porcelana, madeira, tecido,

gesso, murano, resina, etc...

Hoje vou falar a pedido de um grande amigo virtual, sobre

restauração em telas:

Quando falamos em tela, o qual chamamos de quadro, elas

podem ser pintadas a óleo ou acrílica.

As telas apresentam-se a venda já com uma impressão

ou preparo, que permite uma melhor aderência e conservação

futura das cores. Essa impressão é dada só de um lado e

consiste numa camada de cola misturada

com têmpera, caseína, ou gesso, sendo geralmente branca

(hoje já encontramos telas coloridas) ou uma mistura de

alvaiade, secante e óleo de linhaça. No meu caso, eu reforço

esse preparo, pintando a superfície com tinta a óleo branca,

bem diluída, antes de começar a pintura propriamente dita.

Temos diversos elementos que tem composições

diferentes, e sofrem dilatações, ressecamentos, conforme a

temperatura ambiente, umidade, maneira em que são

acondicionadas, e a qualidade dos elementos, usados na tela.

Temos várias causas e efeitos que deterioram uma tela.

Como foi dito acima, a tela tem que ter um tratamento

adequado, para que absorva a tinta.

A base tem que ser feita do mesmo material usado

pela tinta -óleo - ou -acrílica - pois do contrário, com a

umidade do ambiente a pintura começa a se desprender da

tela, há dilatação, pois o componente usado no preparo

da base da tela é diferente da tinta usada. Outro problema é

o calor excessivo, vindo de lâmpadas ou exposição dessas ao sol.

A pintura resseca e encolhe, enquanto o tecido se mantém intacto,

causando o desprendimento, formando o conhecido " craqueller".

Outro fato também é a maneira como se pinta - onde o ideal é

começar com a primeira camada inferior diluída com

aguarrás(terebentina), pois a aguarrás seca por evaporação,

fazendo com que a pintura fina seque rapidamente.

E as superiores pinta-se com tinta a óleo saída do tubo ou

acrescentando a ela mais óleo de linhaça do que aguarrás,

pois a absorção das camadas inferiores ajudam a secar

as camada superiores.

A tinta á óleo seca lentamente, o ideal a boa pintura à

óleo exige um fundo ou primeira camada fina sobre a qual devem

ser aplicadas as camadas mais espessas, evitando problemas

futuros, permitindo pintar no dia seguinte sobre um fundo seco,

ou quase seco, retocar, refazer, pintar por cima sem sofrer a

influência de tons anteriores, e possibilitando esfregar, etc...

Vou fechar o PC pois... estou cansadinha, e creio que você

também...continuarei num próximo capítulo, até lá!

T E M P O

2009-03-16T23:51:00.013-03:00

A minha amiga Donagata me desafiou para dar continuidade a

uma corrente de poesias. Então mãos a obra:

Nossa vida é orquestrada pelo tempo. Quando somos criança

nem percebemos muito essa passagem. Já adolescente queremos

dar corda no tempo, e quando chegamos a idade adulta,

sentimos saudade daquele tempo! - como somos engraçados...

imagina se o tempo parasse para escutar cada um de nós! A vida

seria estática, sem graça, e a roda do tempo perderia sua força

e seu movimento! Escolhi uma poesia de

Carlos Drummond de Andrade, considerado um dos principais

poetas da literatura Brasileira,

devido a repercussão e alcance se suas obras. Homem de

personalidade forte, quase um obstinado. Suas poesias e

crônicas falavam da sociedade, do medo do futuro , das

dualidades humanas e da história do Brasil.

O poeta nasceu em Itabira - Minas Gerais - em 31 de Outubro

de 1902 e veio morar no Rio de Janeiro em 1934.

Tive o enorme prazer de vê-lo várias vezes passar por mim,

pela rua Francisco Sá - em Copacabana, pois sempre tive muita

admiração pelo seu jeito de se expressar através de suas poesias.

Hoje temos uma estátua feita de bronze em sua homenagem,

onde Drummond, serenamente está sentado num banco no

calçadão de uma das praias mais lindas do Rio de Janeiro -

Copacabana- bairro que viveu, e que nem o - TEMPO -

tema de nosso desafio , será capaz de destruir!

CORTAR O TEMPO -

Quem teve a idéia de

cortar o tempo em fatias,

a que se deu o nome de ano,

foi um indivíduo genial.

Industrializou a esperança,

fazendo-a funcionar no

limite da exaustão.

Doze meses dão para qualquer

ser humano se cansar

e entregar os pontos.

Aí entra o milagre da renovação

e tudo começa outra vez,

com outro número

e outra vontade de acreditar

que daqui pra diante vai ser diferente.

(Carlos Drummond de Andrade - Coletânia de Poemas do Livro:

A Vida Passada a Limpo).

Os blogs que escolhi para continuar esta corrente são: Sweet Parties

Flying-low, Metamorfose, Quintana Eterno , Jardim Secreto/ .

Desenho e Pintura -

2009-03-06T15:31:00.010-03:00

Além do indispensável talento para pintar

é necessário desenhar.

Numa velha discussão como iniciar a execução

de uma pintura, uns afirmam que é melhor desenhar e construir o modelo,

com carvão, pincel e tinta líquida. Outros dizem que é preferível pintar direto sobre a tela em branco, sem desenho prévio.

O crítico de arte Waetzoldt, afirma com bastante

razão, no seu livro: "Você e a arte: - um pintor inato - não vê primeiro a forma e depois a cor, mas sim cores, com forma coloridas num todo. Não ilumina, como a criança colorindo álbuns: - pinta!-

Vasari, o cronista do renascimento, conta acerca

do famoso Ticiano, que "utilizava imediatamente

as tintas, sem desenho prévio!"

O próprio Ticiano, dizia que esse era o real e me-

lhor meio de fazê-lo, - "o verdadeiro desenho" -(dando a entender que ao mesmo tempo que pintava, desenhava.

Miguel-Ângelo, contemporâneo e compatriota, de Ticiano, comentava referindo-se ao método

deste último: " é pena que em Veneza não comecem por aprender a desenhar corretamente."

Miguel-Ângelo, David, Degas, Dali, que eu saiba, só para citar alguns mestres, de ontem e de hoje, eram ou são partidários de construir o desenho - em alguns casos com notável acuidade antes de começar a pintar.

Velásquez pelo contrário, se diz que não preparava os seus quadros, e as vezes nem sequer os desenhava, atacando imediatamente a tela com o pincel.

"De Sorolla se conta que um pincel com tinta a óleo pouco densa, lhe bastava para indicar na tela as proporções, a situação dos elementos, o corte do quadro." - Sorolla trabalhava direta-

mente muitas vezes sem desenho prévio - manchando e cobrindo a tela em pouco tempo.

Penso eu, que o desenho é a disciplina básica que todo artista deveria dominar, antes de poder usar a cor, a tinta ou qualquer outro recurso adicional.

Picasso deixou em seus escritos, um conselho que acho fundamental:

" Antes mesmo de você procurar fazer arte moderna, comece pelo princípio, procurando

estudar a fundo, os maravilhosos meios técnicos fornecidos pela própria natureza." E quem

conheceu a fundo todo seu acervo, com todas as suas fases, sabe que Picasso dominava a fundo a técnica de desenhar!

Pergunto: - como se consegue alcançar esse patamar?

Reposta : - desenhando, desenhando, desenhando... - reservar parte do dia para fazer cópias,

de objetos, retratos, paisagem, etc... - esse é um dos estudos mais difíceis, que são as aulas de modelo vivo, onde se aprende a extrair da natureza somente os elementos necessários a arte ideal!

Quando entrei para Faculdade de Educação Artística, minha turma tinha uns 45 alunos, e no

final do curso, só restaram 13 alunos, que posso dizer que era uma turma formada de feras. Todos eram conhecidos a fundo pelos professores, e a exigência era imensa: professor-aluno,

aluno-professor e aluno-aluno, ou você aprendia ou desistia! "

Devemos nos dedicar de corpo e alma para sermos o "melhor", seja no que for, não

desmerecendo ninguém...e então nos sentiremos preparados para levantar voo, e poder

perceber que numa paisagem, as folhas de uma árvore, só podem ser vistas em conjunto. Não se distinguem apenas se adivinha! E aí então poderemos observar que não são os detalhes que impressionam mas os efeitos, conseguidos pelo artista. Mas para isso, precisamos estar cientes, que a natureza tem infinitas variações, tem a sua parte fácil bem como à difícil. Cabe ao artista saber julgar por onde começar seu trabalho, e permitir que com todo esse conhecimento acadêmico ande junto o coração e a sensibilidade, pois toda obra tem que causar emoção!

Renascimento - Botticelli - pintor do Renascimento Italiano - 1445/1510 -

2009-02-25T15:13:00.013-03:00

1 - Vênus e Marte - Momento lúdico de descanso e paz dos amantes -
2 - O nascimento de Vênus - A pintura representa a Deusa Vênus emergindo do mar como mulher adulta, conforme descrito na mitologia grega..
3 - Primavera - Obra de mitologia clássica que nos apresenta a alegoria da chegada da primavera

Nem sempre nos sentimos protegidos com os pés na terra, então deixamos nosso corpo sentir o gostinho de flutuar, deixando o peso da realidade se transformar num despertar dos sonhos, aqueles que nos permitem ser "talvez" aquilo que realmente somos . Despidos, mergulhados no desconhecido mundo da alma. E assim Alessandro Di Mariano Filipepi, conhecido como Sandro Botticelli, um dos mais importantes nomes do Renascimento alimentava suas obras.

Nasceu em 1445 e morreu em 1510. Resgatou de forma brilhante vários aspectos culturais das civilizações Grega e Romana. Suas pinturas são marcadas por um forte realismo, movimentos suaves e cores vivas. Obras carregadas de uma enorme sensibilidade, nutrida de crenças platônicas distante da religiosidade tradicional, segundo o espírito do homem que luta por se desligar da matéria, para chegar ao êxtase perante a beleza ideal e arquétipica.

Os personagens de Botticelli, não tocavam seus pés na terra, mas flutuavam, dando a suas pinturas leveza e movimento. Por isso também ficou enfeitiçado pela beleza de Simonetta. Nela contemplou feita de carne, a sua Deusa, à Vênus humanitas. Contemplou-a naquela esplêndida radiante e frágil, efemêra, melancólica e imaterial beleza, com a própria florença.

Simonetta morreu aos 23 anos. Essa mulher vista com olhos e a arte de Sandro, iniciara um renovado culto ao eterno feminino na Inglaterra.Tivemos na história da Arte - diversas representações de Vênus - Deusa do Amor - da Paixão Humana. Tivemos vários rostos, vários corpos, mas nenhuma foi mais famosa do que a Vênus de Sandro Botticelli, onde foi retratada com muita delicadeza, ritmo, e um refinado emprego da cor, característica do pintor, alcançando a perfeita expressão.

Apenas a encomenda do Papa que queria decorar a Capella Sistina, conseguiu afastar Sandro de Florença.Muitos boatos surgiram na época, sobre esse fascínio por Simonetta, pois não entendiam como poderia pintar uma pessoa que já havia morrido há tanto tempo. Mas por que querer entender o que se passa no coração humano? Por que não deixar simplesmente que esse, viva através da beleza, da expressão, sem ter que explicar sua paixão por alguém, que mesmo não estando mais presente se encontrava intacta em suas lembranças?