Picasso (Pablo Ruiz y Picasso - l881/1973

( Les Demoiselles d'Avignon - 1907)

Pensamento de Pablo Ruiz Picasso:

"Em si mesmas as coisas não existem. Só existem através de nós!"

Guernica - 1937 -

Estar a frente do tempo é navegar em alto mar, e se sentir tranquilo por enxergar além da altura das águas...saber que a vida transcorre em várias fases, como foi a vida de Pablo Ruiz Picasso, hoje considerado, um dos maiores gênios da pintura, onde aprendeu a fazer os primeiros traços com o seu pai, que era professor de desenho.
Estudou por pouco tempo na Academia de Belas Artes de Barcelona e logo no início do Século XX mudou-se para Paris, onde instalou-se no famoso BATEAU-LAVOIR (barco-lavanderia), um velho casarão situado no bairro de Montmartre, a partir daí o novo centro da arte e da literatura vanguardista.

Picasso produziu grande parte de sua obra inicialmente influenciada pelos impressionistas e Toulouse-Lautrec, principalmente nas cenas de cafés e zonas boêmias da cidade.
Em seus períodos: - azul (1901-1905-melancólico) e rosa (1905-1907-mais alegre), o aspecto sentimental e naturalista predominavam em suas obras, onde pobres, doentes, mendigos, prostitutas e saltimbancos apareciam em suas telas.
Em 1907- Picasso apresenta uma obra surpreendente: Lês Demoiselles d’Avignon-revelando influência da arte negra e formas muito livres, o quadro representou de fato, um decisivo rumo ao cubismo, a maior revolução plástica depois da renascença. Liderando o movimento ao lado de Braque (pintor francês).

Picasso-vestido de arlequim-1924

-

Picasso reduziu a cor em tons ocres e cinzentos, além de decompor e abordar a imagem, segundo vários ângulos de visão.
Essa autonomia pictórica abriu um novo espaço dentro da pintura, onde foi permitido usar sobre a tela novos materiais como: papel colorido, pedaços de jornal, tecido encerado, letras, números etc., nascendo assim a técnica da colagem e do papier collé .

Além da pintura Picasso adotou todas as formas de expressão, entre as quais: escultura, cerâmica, desenho e também política, onde o levou a criar o seu quadro mais famoso:”Guernica”- sendo um protesto contra o bombardeio de nazistas e fascistas (Hitler, Mussolini e Franco) sobre Guernica (pequena cidade do norte da Espanha).

Picasso viveu intensamente a vida, e em cada momento vivido buscava colocar isso em suas obras; ora eram melancólicas , outras alegres , deformadas, figuras não convencionais, violentamente expressivas,

multiformes, empregando e inventando uma

variedade de estilos, como nenhum outro artista havia inventado antes.
Dedicou-se a tantos ofícios com grande entusiasmo e em qualquer veículo que se expressava, sempre foi imensamente brilhante. Picasso mostrou que um artista não pode ser uma cópia nem uma ilustração do mundo real, mas um acréscimo novo e autônomo!

Toulouse - Lautrec (1864/1901)

Salon in Rue Des Moulins - Henri Marie Raymond de Toulouse Lautrec Monfa.

Desceu das alturas para misturar-se ao povo mais baixo, obrigando a arte também a descer o pedestal dos museus e mansões, para derramar-se pelas ruas.

Procurou fazer parte do mundo que ele retratava em seus quadros. Vivenciou o submundo, centro de atração da secreta sociedade do prazer, instalou-se em um prostíbulo de luxo -Montmartre -.

Sua obra não é problema, mas mistério inesgotável, como a própria vida. Uma maravilhosa fonte de conhecimento e de vivência, além do bem e do mal.

Indagou o rosto humano, procurando sua verdade. Procurou inconscientemente através de sua pintura um alimento que servisse como cura para seu espírito...numa busca infinita de si mesmo, para compreender suas limitações e angústias, diante da vida.

Toulouse teve duas quedas o qual o deixou com as duas pernas atrofiadas, e não suportou ter que conviver com sua figura deformada, sendo chamado de " anão bufão", o pintor das verdades amargas.

Entre a solidão e a marginalidade, recorreu ao álcool, buscando o tempo inteiro na intimidade dos outros, "talvez", uma inspiração para retratar sua própria imagem e refletir sobre a vida, deixando transparecer um pouco de sua secreta ternura!

Restauração e Antiguidade - Continuação.

Bom, hoje estou voltando depois de um descanso merecido...pois a vida de artista não é tão "fácil"como muita gente pensa...mas vamos retornar a nossa viagem ao mundo encantado da restauração!

Os vernizes à base de laca atraem alguns insetos, que põem seus ovos sobre a tela, e ficam pontinhos mais escuros, com uma borda mais clara, sobre o quadro. E se olharmos contra a luz veremos que ali vamos encontrar um furinho. Com o tempo esse furo vai aumentando e perdemos muito do quadro.

O verniz com o tempo vai modificando a cor da pintura, pois vai ficando amarelado, alterando a tonalidade das cores, como:

- branco - fica amarelado

- azul - fica esverdeado.

Outros dizem que o verniz protege a superfície pintada, do pó, sujeira e poluentes no ar (já que o verniz a óleo pode ser lavado com água, sem qualquer perigo). Abrilhantar, realçar as cores que por terem sido diluídas com excesso de aguarrás, tinham ficado sem brilho, unificando o realce e o brilho de todas as cores do quadro.

Muitos artistas desprezam o envernizado, e eu estou aqui, pois o maior inconveniente do verniz, está na sua principal qualidade, " no brilho", que muitas vezes atrapalha a correta visão do quadro.

Quando restauramos uma tela não podemos interferir e nem adicionar nada, a não ser quando autorizado.

O procedimento básico de toda restauração, é retirar a tela dos chassis (aquela parte de madeira que prende a tela). Depois temos que fazer o teste de solubilidade da tinta, para saber ao certo que tipo de solvente usaremos, pois toda tinta tem um ponto em que ela se desfaz, vira líquido, então o uso inadequado é fatal. -

Ex: quando passamos acetona no esmalte das unhas ele vira líquido, e sai no algodão.

Quanto mais antiga a pintura, se dissolve com os solventes mais fortes. Para uma simples limpeza ou conservação, usamos o mais fraco. E temos também que saber como a pintura foi feita.

Temos diversos solventes para usarmos nas telas, que vão desde querosene, até éter e acetonas.

Fazemos o teste do solvente sempre num cantinho da tela, pois corremos o risco de dissolver toda a pintura e ...cada caso é um caso.

Para conservar uma pintura com mais de 30 anos, temos que restituir a elasticidade original da tinta. Trabalharemos com solvente fraco e repetiremos o processo por vários dias, e até meses para que a tinta volte ao normal.

Quando a tela já sofreu restauração e por sinal "mal feita", tiramos um raio x da tela, para saber o 1° passo do autor, e restituir sua pintura original. E se soubermos o desenho original, será retirado somente a pintura recente, e o material novo, posto sobre a tela original. Então usaremos solventes fracos para esse serviço, e iremos descobrindo aos poucos, a pintura original da tela, e devolvendo sua verdadeira identidade.

No caso de descolamento de pintura, rasgos, ressecamento, teremos que fazer uma reentelagem.

Fazemos então uma liga a base de cera de abelha, e outros elementos, para que possamos colar a pintura original num novo tecido, que tem que ter a mesma qualidade do antigo, para não sofrer rejeição de material, ou resistência.

Para fazer essa reentelagem, temos que trabalhar numa superfície plana de madeira, onde forramos com bastante papel(jornal) embebecido em solvente. Colocamos a tela já retirada dos chassis, com a face pintada voltada para baixo, e pregamos com tachinhas o novo tecido, bem esticado sobre a madeira. Jogamos a solução de cera(aquecida sobre o tecido) e passamos com ferro de passar roupa, em temperatura morna, para que a cera da superfície penetre na tela original.

Deixamos esfriar, e retiramos as tachas e viramos a tela.

Esse serviço, tem que ser muito bem feito, pois não se pode deixar criar bolhas de ar, e nem deixar a temperatura do ferro queimar a pintura.

Feito isso, retiramos o excesso de cera, e deixamos a tela por um tempo, para que possamos trabalhar nela. Teremos de limpá-la e talvez dar alguns pequenos retoques.

Se houver rasgos, podemos usar massa de pintura para suavizá-las e retocar por cima.

Para os retoques temos que usar a mesma tinta original e nunca usar betume para tentar envelhecer a pintura, pois essa é a maior causa do escurecimento da pintura e sujeira...e quando retocamos com perfeição,(a parte danificada) temos nítida impressão que toda a tela foi pintada naquele momento e que nada ali foi mexido.

Ressalvo que todos os retoques só poderão ser feitos com o consentimento do dono do quadro.

Lógico que existem métodos bem mais sofisticados, como câmaras fotográficas tridimensionais ligadas a sofwares especializados, limpeza à laser( como no Museu de Versailles), mas são recursos muito caros...mas para mim o que conta, é o resultado final, e restaurar com perfeição é devolver ao dono, seu "objeto" por inteiro, respeitando acima de tudo um trabalho feito por outra pessoa e que merece respeito.

Espero ter conseguido nessas duas postagens, mostrar um pouquinho desse mundo tão fascinante, e tão vasto, que é a - RESTAURAÇÃO-

Até breve!

Restauração e Antiguidades

O restauro é uma atividade tão interessante, como desconhecido.

Apesar de existir, uma grande curiosidade por esta sabedoria

artesanal de restaurar, carregada do saber dos ofícios antigos,

tem sido sempre difícil observar de perto o trabalho minucioso e

paciente dos profissionais.

Sempre tive fascínio por esse assunto, tanto que fui trabalhar

justamente neste setor - Restauração e Antiguidades -

Minha curiosidade e o poder de transformação sempre andaram

juntos, como o meu desejo de trabalhar com objetos antigos

(ou simplesmente velhos), quebrados, sujos ou com algum defeito,

sempre me encantaram.

Objetos de valor artístico - antigo/antiguidade, ou objetos

de pouco valor, mas agradável, e decorativo, que evoquem

recordações pessoais ou familiares. Então teríamos o valor da

peça e o valor estimativo, que é abrangente.

É uma pena saber que esse amor pelas coisas antigas, não está

sendo cultuado e valorizado nos dias de hoje, onde vivemos o

momento do descartável!

Quantas vezes ouvi das pessoas que iam levar suas peças para

restaurar, que já se viam entristecidas, em saber que seus bens,

seriam simplesmente desfeitos , como coisa velha, sem valor

nenhum. Eu posso dizer, que restaurar é uma arte, uma

satisfação enorme, pois você recebe em suas mãos uma peça

toda quebrada, e em poucos dias

ela está recuperada, sem nenhum vestígio aonde foi mexida...

nos dá um enorme prazer. Posso dizer que é um trabalho

feito com o coração, pois do contrário, não valeria a pena.

Para trabalhar com restauração requer muita paciência,

determinação e sabedoria, pois são várias fases, e a minha

é uma das últimas, pois trabalho na parte da pintura.

Nessa parte, você tem que ter noções de pintura, e saber quais

as cores que foram usadas naquela área que

será restaurada, pois geralmente não são cores puras.

A tinta usada na restauração é mais diluída, pois a peça que foi

restaurada não irá mais ao forno.

Todos os detalhes tem que constar na peça, até a marcação de

reconhecimento, ( principalmente aquelas que vão a leilão),

assinatura,craqueller, frisos, etc...e somente será retocado a

parte que foi restaurada, nada mais. São vários tipos de peças,

e de todos os tamanhos, como: imagens de santos, oratórios,

esculturas (diversas - até de cemitério), telas, biskuit e

em vários materiais, como: porcelana, madeira, tecido,

gesso, murano, resina, etc...

Hoje vou falar a pedido de um grande amigo virtual, sobre

restauração em telas:

Quando falamos em tela, o qual chamamos de quadro, elas

podem ser pintadas a óleo ou acrílica.

As telas apresentam-se a venda já com uma impressão

ou preparo, que permite uma melhor aderência e conservação

futura das cores. Essa impressão é dada só de um lado e

consiste numa camada de cola misturada

com têmpera, caseína, ou gesso, sendo geralmente branca

(hoje já encontramos telas coloridas) ou uma mistura de

alvaiade, secante e óleo de linhaça. No meu caso, eu reforço

esse preparo, pintando a superfície com tinta a óleo branca,

bem diluída, antes de começar a pintura propriamente dita.

Temos diversos elementos que tem composições

diferentes, e sofrem dilatações, ressecamentos, conforme a

temperatura ambiente, umidade, maneira em que são

acondicionadas, e a qualidade dos elementos, usados na tela.

Temos várias causas e efeitos que deterioram uma tela.

Como foi dito acima, a tela tem que ter um tratamento

adequado, para que absorva a tinta.

A base tem que ser feita do mesmo material usado

pela tinta -óleo - ou -acrílica - pois do contrário, com a

umidade do ambiente a pintura começa a se desprender da

tela, há dilatação, pois o componente usado no preparo

da base da tela é diferente da tinta usada. Outro problema é

o calor excessivo, vindo de lâmpadas ou exposição dessas ao sol.

A pintura resseca e encolhe, enquanto o tecido se mantém intacto,

causando o desprendimento, formando o conhecido " craqueller".

Outro fato também é a maneira como se pinta - onde o ideal é

começar com a primeira camada inferior diluída com

aguarrás(terebentina), pois a aguarrás seca por evaporação,

fazendo com que a pintura fina seque rapidamente.

E as superiores pinta-se com tinta a óleo saída do tubo ou

acrescentando a ela mais óleo de linhaça do que aguarrás,

pois a absorção das camadas inferiores ajudam a secar

as camada superiores.

A tinta á óleo seca lentamente, o ideal a boa pintura à

óleo exige um fundo ou primeira camada fina sobre a qual devem

ser aplicadas as camadas mais espessas, evitando problemas

futuros, permitindo pintar no dia seguinte sobre um fundo seco,

ou quase seco, retocar, refazer, pintar por cima sem sofrer a

influência de tons anteriores, e possibilitando esfregar, etc...

Vou fechar o PC pois... estou cansadinha, e creio que você

também...continuarei num próximo capítulo, até lá!

T E M P O

A minha amiga Donagata me desafiou para dar continuidade a

uma corrente de poesias. Então mãos a obra:

Nossa vida é orquestrada pelo tempo. Quando somos criança

nem percebemos muito essa passagem. Já adolescente queremos

dar corda no tempo, e quando chegamos a idade adulta,

sentimos saudade daquele tempo! - como somos engraçados...

imagina se o tempo parasse para escutar cada um de nós! A vida

seria estática, sem graça, e a roda do tempo perderia sua força

e seu movimento! Escolhi uma poesia de

Carlos Drummond de Andrade, considerado um dos principais

poetas da literatura Brasileira,

devido a repercussão e alcance se suas obras. Homem de

personalidade forte, quase um obstinado. Suas poesias e

crônicas falavam da sociedade, do medo do futuro , das

dualidades humanas e da história do Brasil.

O poeta nasceu em Itabira - Minas Gerais - em 31 de Outubro

de 1902 e veio morar no Rio de Janeiro em 1934.

Tive o enorme prazer de vê-lo várias vezes passar por mim,

pela rua Francisco Sá - em Copacabana, pois sempre tive muita

admiração pelo seu jeito de se expressar através de suas poesias.

Hoje temos uma estátua feita de bronze em sua homenagem,

onde Drummond, serenamente está sentado num banco no

calçadão de uma das praias mais lindas do Rio de Janeiro -

Copacabana- bairro que viveu, e que nem o - TEMPO -

tema de nosso desafio , será capaz de destruir!

CORTAR O TEMPO -

Quem teve a idéia de

cortar o tempo em fatias,

a que se deu o nome de ano,

foi um indivíduo genial.

Industrializou a esperança,

fazendo-a funcionar no

limite da exaustão.

Doze meses dão para qualquer

ser humano se cansar

e entregar os pontos.

Aí entra o milagre da renovação

e tudo começa outra vez,

com outro número

e outra vontade de acreditar

que daqui pra diante vai ser diferente.

(Carlos Drummond de Andrade - Coletânia de Poemas do Livro:

A Vida Passada a Limpo).

Os blogs que escolhi para continuar esta corrente são: Sweet Parties

Flying-low, Metamorfose, Quintana Eterno , Jardim Secreto/ .

Desenho e Pintura -

Além do indispensável talento para pintar

é necessário desenhar.

Numa velha discussão como iniciar a execução

de uma pintura, uns afirmam que é melhor desenhar e construir o modelo,

com carvão, pincel e tinta líquida. Outros dizem que é preferível pintar direto sobre a tela em branco, sem desenho prévio.

O crítico de arte Waetzoldt, afirma com bastante

razão, no seu livro: "Você e a arte: - um pintor inato - não vê primeiro a forma e depois a cor, mas sim cores, com forma coloridas num todo. Não ilumina, como a criança colorindo álbuns: - pinta!-

Vasari, o cronista do renascimento, conta acerca

do famoso Ticiano, que "utilizava imediatamente

as tintas, sem desenho prévio!"

O próprio Ticiano, dizia que esse era o real e me-

lhor meio de fazê-lo, - "o verdadeiro desenho" -(dando a entender que ao mesmo tempo que pintava, desenhava.

Miguel-Ângelo, contemporâneo e compatriota, de Ticiano, comentava referindo-se ao método

deste último: " é pena que em Veneza não comecem por aprender a desenhar corretamente."

Miguel-Ângelo, David, Degas, Dali, que eu saiba, só para citar alguns mestres, de ontem e de hoje, eram ou são partidários de construir o desenho - em alguns casos com notável acuidade antes de começar a pintar.

Velásquez pelo contrário, se diz que não preparava os seus quadros, e as vezes nem sequer os desenhava, atacando imediatamente a tela com o pincel.

"De Sorolla se conta que um pincel com tinta a óleo pouco densa, lhe bastava para indicar na tela as proporções, a situação dos elementos, o corte do quadro." - Sorolla trabalhava direta-

mente muitas vezes sem desenho prévio - manchando e cobrindo a tela em pouco tempo.

Penso eu, que o desenho é a disciplina básica que todo artista deveria dominar, antes de poder usar a cor, a tinta ou qualquer outro recurso adicional.

Picasso deixou em seus escritos, um conselho que acho fundamental:

" Antes mesmo de você procurar fazer arte moderna, comece pelo princípio, procurando

estudar a fundo, os maravilhosos meios técnicos fornecidos pela própria natureza." E quem

conheceu a fundo todo seu acervo, com todas as suas fases, sabe que Picasso dominava a fundo a técnica de desenhar!

Pergunto: - como se consegue alcançar esse patamar?

Reposta : - desenhando, desenhando, desenhando... - reservar parte do dia para fazer cópias,

de objetos, retratos, paisagem, etc... - esse é um dos estudos mais difíceis, que são as aulas de modelo vivo, onde se aprende a extrair da natureza somente os elementos necessários a arte ideal!

Quando entrei para Faculdade de Educação Artística, minha turma tinha uns 45 alunos, e no

final do curso, só restaram 13 alunos, que posso dizer que era uma turma formada de feras. Todos eram conhecidos a fundo pelos professores, e a exigência era imensa: professor-aluno,

aluno-professor e aluno-aluno, ou você aprendia ou desistia! "

Devemos nos dedicar de corpo e alma para sermos o "melhor", seja no que for, não

desmerecendo ninguém...e então nos sentiremos preparados para levantar voo, e poder

perceber que numa paisagem, as folhas de uma árvore, só podem ser vistas em conjunto. Não se distinguem apenas se adivinha! E aí então poderemos observar que não são os detalhes que impressionam mas os efeitos, conseguidos pelo artista. Mas para isso, precisamos estar cientes, que a natureza tem infinitas variações, tem a sua parte fácil bem como à difícil. Cabe ao artista saber julgar por onde começar seu trabalho, e permitir que com todo esse conhecimento acadêmico ande junto o coração e a sensibilidade, pois toda obra tem que causar emoção!